什么是音乐

导读：　什么是音乐篇一《音乐是什么》 响作用 ...

什么是音乐篇一
《音乐是什么》

响作用。广义的讲，音乐就是任何一种艺术的、令人愉快的、神圣的或其他什么方式排列起来的声音。所谓的音乐的定义仍存在着激烈的争议，但通常可以解释为一系列对于有声、无声具有时间性的组织，并含有不同音阶的节奏、旋律及和声音乐与人的生活情趣、审美情趣、言语、行为、人际关系等等，有一定的关联。故高雅的音乐与低俗的音乐其对人们的影响是大不相同的。或是，简单说就是好听的“杂音”。活动前评析幼儿对于自己的身体是非常感兴趣的。我们要抓住着一特点进行教育，使其发挥最大的教育效果。本节课我就是从幼儿的这一兴趣出发进行设计的，让幼儿动手动脑，综合开发他们的智力潜能。活动目标

1.主动探索身体运动的不同方法,体验集体运动的快乐。

2.能跟着音乐节奏做动作。

活动准备1、课前教师和幼儿共同运动，动作协调一致。

2、幼儿和家长探索身体的哪个部位比较灵活，并且了解“关节”的定义。

3、准备运动图片活动过程实录

一、教师和幼儿一起来做律动

1、教师带幼儿律动

（放音乐《我的身体》）小朋友们，我们快来跟着老师一起来运动吧!

(教师和幼儿一起喊口令，注意动作协调一致，节奏准确。)

二、共同探索，交流动作

1、刚才我们运动的是身体的哪个部位?为什么这个能动？（引导幼儿说出各个关节部位） 教师总结:经常运动关节可以让我们的身体更加灵活.

2、我们身体上还有什么地方也需要经常的做运动?（引导幼儿说出个部位的运动方式）

小朋友说了那么多的部位，咱们来听着音乐做做看？注意要根据歌词来做？现在，我拿起望远镜，看一看你们有多少种不一样的运动身体的方法。

3、集体初步尝试

幼儿互相交流，集体研究出统一的动作，进行初步的尝试。

4、引导个别交流 分享成功

幼儿找到了好多运动身体不一样的方法。谁来给大家做一做（幼儿分别来将自己找动的动作做一做）谁来做小小教练，教教我们大家？（找一名幼儿将动作做一遍，并且教幼儿）

（教师要注意从动作的方向，力度，节奏，伸展度上引导幼儿）

5、集体共同尝试

我们可以学学小朋友的好的方法，也可以做做自己想到的好方法，比比谁的动作最象教练、最好，而且又漂亮又有力。

三、观察图片，拓展新动作

1、你们可真棒！能够想出那么多锻炼身体的方法。老师也非常热爱运动，你们瞧！我也找到了好多种锻炼身体的新方法！我是怎么运动的呢？老师也来表演一下（教师进行表演）。

2、给你们一点时间，去看一看，试着做一做，看能不能发现我锻炼的方法。

手叉腰图片、箭头一圈的图片两张—方向不同（发现箭头的涵义）

左右角轮换出去，头摇摆动作的图片四张（从图片的顺序中找到运动身体的方法）

踮脚动作（发展幼儿的观察力）

3、交流发现，尝试有节奏的动作

你看明白了哪一张？

小结：看懂了箭头的意思就明白了这个锻炼的方法。

小结：只要仔细一点，耐心一点，按着图片的顺序1234一个一个做，就能发现这个动

作是怎么做的了。

小结：虽然这个动作只有两张图片，但是如果看得不仔细，就很难发现我锻炼的秘密了！

(1、三个幼儿一起做一个方法，他们做的一样吗？你和谁做的一样？再听着音乐一起做

2、一个幼儿带着其他幼儿一起做，动作由慢到快，-----清唱动作

3、幼儿讲，然后听音乐一起做)

四、延伸

响作用。广义的讲，音乐就是任何一种艺术的、令人愉快的、神圣的或其他什么方式排列起来的声音。所谓的音乐的定义仍存在着激烈的争议，但通常可以解释为一系列对于有声、无声具有时间性的组织，并含有不同音阶的节奏、旋律及和声音乐与人的生活情趣、审美情趣、言语、行为、人际关系等等，有一定的关联。故高雅的音乐与低俗的音乐其对人们的影响是大不相同的。或是，简单说就是好听的“杂音”。

什么是音乐篇二
《基本音乐常识音乐常识什么是音乐？》

基本音乐常识音乐常识什么是音乐？

音乐是一种声音艺术而非视觉或其它什么感觉的艺术。把乐音（有时也适当使用噪音）按一定的规律组织起来，使人听之产生美感，这种艺术就叫音乐。

什么叫噪音？什么叫乐音？

声带、琴弦、木头板、马达等物体振动时会发出声波，声波通过空气传播进入我们的耳朵，就使我们听到了声音。声音有噪音和乐音之分：振动无规律的声音，如木头板声、马达声等，叫噪音；振动有规律，如人声带发出的歌声，由琴弦发出的琴音等，叫乐音。音乐中所用的音主要是乐音。

什么叫音高？ 乐音听起来有的高，有的低，这就叫音高。音高是由发音物体振动频率的高低决定的，频率高声音就高，频率低声音就低。比如女人唱歌时声带振动频率高，男人唱歌时声带振动频率低，所以男声比女声低。

音乐中所用的乐音范围有多大？ 音乐中所用乐音的范围从每秒种振动１６次的最低音到每秒钟振动４１８６次的最高音，大约９７个。现代最大的钢琴可以奏出其中的８８个音，是乐音范围最大的乐器。人唱歌时因受生理限制，所能唱出的乐音仅是乐音范围中的一小部份。

什么叫音名？什么叫唱名？

不同音高的乐音，是用Ｃ Ｄ Ｅ Ｆ Ｇ Ａ Ｇ 来表示的，这七个拉丁字母就是乐音的音名，它们一般依次唱成ＤＯ ＲＥ ＭＩ ＦＡ ＳＯＬ ＬＡ ＳＩ，即唱成简谱的１ ２ ３ ４ ５ ６ ７ ，相当于汉字“多来米发梭拉西”的读音。ＤＯ、ＲＥ、ＭＩ „„是唱曲时乐音的发音，所以叫唱名。

什么叫音列？

把上面所说的９０几个高低不同的乐音按顺序排列起来，构成一个序列，这个序列就叫音列。

音列如何分组？音名只有七个，而音列中的音却大大超过这个数量，如何把音名相同而音高不同的音区别开来呢？方法就是分组。人

们把音列中的音划分成几个组。把音列中处在中央位置的一组（即钢琴、电子琴等键盘乐器中由中央Ｃ开始，向上的七个音）叫小字一组，把比小字一组高一倍、高两倍、高三倍的音分别叫小字二组、小字三组、小字四组。乐音中当然有比小字一组低的音，它们的分组是：比小字一组低一倍的叫小字组，低两倍的叫大字组，低三倍的叫大字一组，低四倍的叫大字二组。这样一来，音列中的分组由低到高的顺序是：

大字二组 大字一组 大字组 小字组 小字一组 小字二组 小字三组 小字四组乐音的范围音乐术语叫做音域。人声的音域大约是：女声由小字组的ｆ到小字二组的ａ，男声由大字组的Ｆ到小组一组的ａ。那么，你的音域有多宽呢？有机会时无妨在钢琴上试一试。从你能唱出来的最低的那个音起，到最高的那个音止，这个范围就是你的音域。

哪一个音是标准音？国际上规定小字一组的ａ音每秒振动４４０次，这个音就是标准音。由于音列的各音之间都存在着一定的数量关系，例如比某一音高一倍的音（又叫高一个八度），其频率一定比某音高一倍，比它低一倍的音（又叫低一个八度），其频率一定比某音低一倍，所以规定了标准音的音高，也就等于规定了其它各音的音高。有了这个标准，人们在制造乐器时，在奏乐、唱歌时，定音就有了根据。

什么叫全音？什么叫半音？把Ｃ Ｄ Ｅ Ｆ Ｇ Ａ Ｂ 这一组音的距离分成十二个等分，每一个等分叫一个“半音”。两个音之间的距离有两个“半音”的，就叫“全音”。在钢琴、电子琴等键盘乐器上，Ｃ－Ｄ，Ｄ－Ｅ，Ｆ－Ｇ，Ｇ－Ａ，Ａ－Ｂ，两音之间隔着一个黑键，它们之间的距离就是全音；Ｅ－Ｆ，Ｂ－Ｃ，两音之间没有黑键相隔，它们之间的距离是半音。

什么叫自然音？什么叫变化音？

通俗地说，我们唱歌的时候，那些唱成１ ２ ３ ４ ５ ６ ７ 的音，叫自然音；那些在它们的左上角加上＃号（如＃４、＃１）或者ｂ号（如ｂ７、ｂ３）的，叫变化音。＃叫升记号，表示把音在原来的基础上升高半音；ｂ叫降记号，表示把音在原来的基础上降低

半音。

什么叫音阶？把Ｃ、Ｄ、Ｅ、Ｆ、Ｇ、Ａ、Ｂ等各音中的某一个音作为中心，由它开始由低至高（或由高到低）按顺序排列起来，这个音的序列由于象梯子一样，逐级向上或向下，所以叫音阶。下面的两个序列都是音阶，前者是大音阶，后者是自然小音阶：

什么叫记谱法？一曲子一般都包含高低、长短、强弱等要素。把这些要素用各种记号、符号记录在纸面上的方法叫记谱法。古今中外使用过和正在使用中的记谱法是有很多的。拿我国来说，古今使用过的记谱法就有多种。据说早在战国时代，卫灵公手下的音乐师叫师涓的，就能用某种记谱方法记谱了。据文字记载，我国隋唐时期就产生了工尺谱、减字谱（古琴用），宋代又又产生了俗字谱。工尺谱几经沿变，至今仍有民间艺人使用。不过近、现代在我国使用比较普遍的是简谱和五线谱，尤其以使用简谱的人最多。从世界范围来看，使用最普遍的是五线谱。

什么是简谱？ 简谱是用阿拉伯数字１、２、３、４、５、６、７来记录音高的一种记谱法，读过书的中国人几乎都认识它。这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂１６６５年提出来的。后来，将它加以改进和积极推广的竟然是法国着名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐，在欧洲几乎从未普及过。１８８２年前后，美国人梅森到日本讲学时把它传入日本，１９世纪曾有一度在日本学校通用过，不过后来他们也不用了。清朝末年，简谱通过留日学生传入我国。１９０４年，沈心工先生编写的“学校唱歌法”一书出版，曾风行一时，从此简谱便在我国普及开来。我们认为，简谱作为一种大众化的记录方法，在我国普及和推广音乐方面曾经而且仍在发挥很大的作用。不过由于它记谱有不少局限，而且现在世界上绝大多数国家又都不用它，我们应当创造条件推广、普及五线谱，以利于提高音乐水平及与世界各国进行音乐文化交流。

什么是五线谱？ 五线谱是世界上使用最广泛的记谱法，在目前的记谱法中，五线谱相比较而言最为严密、准确、科学。它用五条平行横线记录声音的高低，用空心（或实心）椭圆或在它一侧加竖线（有的还在竖线的一端加“尾巴”）的图形作音符，表示音的长短（实例

请见本站登载的曲谱）具有立体感，便于记录多声部音乐。它１７世纪末正式传入我国，在清朝康熙年间宫廷编撰的“律吕正义续编”中，对它有详细介绍，可见传入我国之久。１９３０年，音乐家刘天华先生将梅兰芳唱的戏曲用五线谱记录下来，出版了“梅兰芳歌曲谱”，该书是我国第一部记录戏曲音乐的专集。有些人认为五线谱比简谱难学。有这种观念是容易理解的。其实主要原因并非五线谱难，而是改变从小养成的读谱习惯难。你从小接触的乐谱都是简谱，已经习惯于简谱那一套，现在要改当然难了。如果从幼儿园开始就用五线谱，小学、中学音乐教科书也一律如此，平常所见的谱都是五线的，旷日持久，就习惯成自然了。现在有不少孩子三、四岁就开始学钢琴（学钢琴就非用五线谱不可了），由浅到深，由简到繁，读谱练琴齐头并进，所以不少孩子年纪虽小，视读线谱的能力却比许多成年人强得多。熟能生巧嘛！

什么是小夜曲？ 文章有各种体裁，如记叙文、议论文、诗歌、散文等，都是文章的体裁。音乐也有各种体裁，如小夜曲、摇篮曲、奏鸣曲、圆舞曲、小步舞曲、波尔卡、玛祖卡„„都是音乐的体裁。 小夜曲是音乐体裁的一种，是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学，流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初，小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱，倾诉爱情，旋律优美、委婉、缠绵，常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展，其形式也有所发展。“中外着名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲，都在世界上流传甚广。

什么叫波尔卡？“波尔卡”不是起概括和提示音乐内容的作用，而是表明它的体裁属于一种男女对舞用的舞曲。起源于捷克民间，曾经风行全欧，西洋不少着名作曲家都用过这种体裁写过音乐作品。它一般为二拍子，节奏活泼、欢快。

什么叫玛祖卡？ 也是属于男女对舞用的舞曲。起源于波兰，也曾在欧洲风行一时。它与波尔卡最大的区别是前者为二拍子，而它却是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小节的第一拍，而玛祖卡却常落在第二或第三拍。比如“浅易琴谱”中所登的汤姆生《玛祖卡》，多数小节的重音就是如此。玛祖卡所表达的情绪一般都活泼热烈，演

奏时需掌握这个特点。

什么叫小步舞曲？ “浅易琴谱”里已登了两由巴赫作曲的小步舞曲，其实巴赫写这种体裁的作品并不止两，而且许多古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等也都写过以“小步舞曲”命名的作品。小步舞曲起源于欧洲的宫庭，曾在法国宫庭流行一时。它是一种三拍子的舞曲，速度缓慢，从容典雅，颇具贵族的风格。

什么叫圆舞曲？又名华尔滋，也是一种三拍子的舞曲。起源于奥地利的一种民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会上，十九世纪风行欧洲。以斯特劳斯的佳作《蓝色多瑙河》最为着名。它有快步和慢步两种。与同样也是三拍子的玛祖卡不同，它的重音一般都落在小节的第一拍上。也与同样是三拍子的小步舞曲不同。圆舞曲的特点是节奏鲜明，旋律流畅，不象小步舞曲那么温文尔雅。不过必须明确，音乐不是数理，不是逻辑，这种区别只是就一般情况而言，并非是绝对的。 什么是“学堂乐歌”？“近代名歌”栏目中“送别”、“国民革命歌”、“夕会歌”等中国近代早期歌曲，被称为“学堂乐歌”。究竟是什么意思？清朝末年、民国初年，当时的政治改革家们主张废除科举等旧教育制度，效法欧美，建立新型学校，于是一批新型的学校逐渐建立了起来。当时把这类学校叫做“学堂”，把学校开设的音乐课叫做“乐歌”科。所以“学堂乐歌”，一般就是指出现于清朝末年、民国初年的学校歌曲（类似当今的校园歌曲）。学堂乐歌的倡导、推广者以沈心工、李叔同等启蒙音乐教育家为代表。在我国近代音乐史上却占有很重要的地位。早期的的学堂乐歌以旧曲填新词为主，用中国民歌、小调的曲调或欧美歌曲的曲调填进创作的新词。这可以说是它们的特点之一。

„„什么意思？这是在钢琴乐谱上常见的外文字。这类外文字叫音乐表情术语，多数用意大利语。网友中使用中遇到不懂的可查看音乐词典。现将琴谱中出现频率较高的术语释义如下：

意大利文释义每分钟拍数广板慢板柔板行板小行板中板小快板快板急板音乐四大家是谁？第一个大名顶鼎，他就是大家耳熟能详的《蓝色多瑙河圆舞曲》作者约翰。斯特劳斯，有圆舞曲之王的美名；第二个就是新年音乐会压轴节目《拉德斯基进行曲》的作者，也叫约

什么是音乐篇三
《音乐是什么排比句集锦》

音乐是什么排比句集锦

1、音乐是一杯清茶，润人心脾；音乐是一片秋叶，撩人乡思；音乐是一缕阳光，暖人灵魂。

2、音乐是爱的召唤，是情的流露，是天使的乐章。

3、音乐是母亲的手，让我们在烦恼的时候宁静，让我们在痛苦的时候温暖，让我们在紧张的时候松弛。

4、音乐是什么？是静夜溢动的花香；是山涧叮咚的泉水；是天幕上闪烁的星光；是驱走黑暗，带来光明的阳光；是抚慰痛苦灵魂的《圣经》……

5、音乐是沟通的桥梁，音乐是栖息的港湾，音乐是心灵的纽带，音乐是梦想的承载，音乐是有声的图卷。

6、音乐，是沙漠中的一缕凉风；音乐是干旱中的一滴雨水；音乐能唤醒人内心深处的感情；音乐，能在忧与乐中不断交织连接的网……

7、音乐是轻拂人疲惫身躯的一缕清凉微风，吹走了一天的疲乏；音乐是洗涤沉重心灵的一掬清泉，带走了一天的抑郁。音乐是一盅心灵鸡汤，我深深地陶醉在它的幽香之中。

8、音乐是一种奇药，抚平心底的创伤。音乐是一面明镜，清楚地反映内心。音乐是一盆冷水，使你冷静下来。音乐是鼓舞的号角，使你振作起来。音乐是人类内心的写照，情感的表达。

9、音乐是一种快乐，是一种思维的声音，是一种智慧的启示。

10、音乐是一泓清泉，能使你枯涸的心灵得到滋润；音乐是一席忠言，能让你发觉生命的真谛；音乐是一种兴奋剂，能使你充满活力重拾信心；音乐是一剂良药，能使你残缺的身躯得到升华……

11、音乐，是鼓动的旋律。音乐，是火热的激情。音乐，是旋转的舞步。

12、音乐是生命中流动的旋律，是游走在心海的精灵。音乐是人类最美的语言。

什么是音乐篇四
《音乐是什么》

什么是音乐篇五
《什么是音乐ppt》

什么是音乐篇六
《音乐是什么》

什么是音乐篇七
《什么是音乐要素》

一、什么是音乐要素

在用音乐的思维方式学习音乐的时候，就不仅仅要关注音高、音强、音长和音色这么简单了，而是要把这几个方面有机的组合在一起，就形成了节奏、旋律、和声、音色、力度、速度，调式、织体、曲式等等。这些就是音乐要素，是教师应该引导学生学习的内容。

老师们不应仅局限于对音的高低，长短，强弱和音色的讲解，而是更应该关注这些要素逐渐发展的内容，包括节奏、旋律、和声、力度、速度、调式、曲式等。把理论知识与音乐实践结合起来的时候，音乐作品的深度就被挖掘出来了。

二、如何关注音乐要素

年龄越小的孩子就越能关注到力度的大小，速度的快慢和节奏的变化，所以这些音乐要素教师可以从低年级就开始引导学生进行关注。至于旋律的高低，可以稍微晚一点再加入进来。初中以上，就可以深层一些，关注到和声、曲式、调式等方面的内容。音色是从小就可以进行分辨的。乐器的学习是一种经验，在经验当中获得过，学生就能有所记忆。当然，音色本身并不是孤立的，音乐欣赏是欣赏综合起来的音乐要素。对于音乐本身，如果没有听众，那么任何东西都不存在，它就只是一个作品。有人去听，但不同的人去听，就会获得不同的音乐感受了。

1．音乐语言

音乐不是世界上通用的语言，它是文化的组成部分，每个音乐作品中都蕴含着它自身的文化特征和文化认同。在欣赏教学中，教师要向学生传播不同音乐文化中的音乐，这也是我们的一个目标。教材建设者把各种不同类型的音乐作品提供给学生，而不是提供同样类型的音乐作品，就是这个道理。音乐不是人类共同的语言，从这个层面来说，音乐课程标准中要求除了弘扬自己本民族文化之外，还要了解世界文化的多样性。音乐作为文化的组成部分，不是了解风土人情，建筑，生活习惯，生长环境，而是了解音乐本身，了解音乐的语言。

2．音乐情感

音乐直指人的心灵，音乐本身是有情感的。以审美为核心、审美教育、情感教育、情感体验的培养，其实是以情感体验为核心的。演唱、演奏和欣赏的最终目的也都是为了体验音乐中所蕴含的不同地区、不同文化背景、不同时代的人类情感。

音乐没有具体的情感，也就是说音乐中没有确定的情感。在教学当中，很多教师会提出这样的问题：“这个作品表达了什么？”学生的回答只能说明他个人的反应，并不代表这个作品固定的情绪和情感。当然，一首作品可能会有一个大家都倾向的情感，比如欢快的，或者悲伤的。

音乐中的情感从哪儿来？音乐中的情感是听赏者被唤起的情感，所以要调动学生，体验音乐中丰富的情感。影响情感的是音乐基本要素，对情感的判断，是人的本能，不需要教育来获得。但是对情感的丰富体验，是需要通过教育来获得的，因为他需要有对音乐要素的敏锐感知能力。

三、如何用音乐的思维方式学习音乐

1．深入理解音乐要素含义

关于音乐要素的构成，2001版音乐课标中是六个要素，2011版音乐课标增加了节拍和调式，这些都是广义的要素概念，不是狭义的。音乐欣赏者首先要把音乐的问题搞清楚，老师们不要经常拿一个广义的概念来提问。在教学过程中，对音乐要素的认识要清晰。一个作品中有典型意义的要素并不多，如果说这个作品中有八个要素，那么并不是这八个要素都具有特点。

2.善于发现有独特性的音乐要素

敏锐的感受音乐要素，而且是独特的感受，这个“独特的”就是要求欣赏一个作品的时候，要理解这个作品中音乐要素的独特性，只要掌握住这个原则，欣赏课就没有上不好的。一个作品中有独特的要素特点，但并不是所有要素都有特点。音乐课标感受与欣赏部分提到音乐

风格的问题，音乐风格就是音乐要素的独特性，音乐要素的独特性构成了音乐风格。所以，教师要善于发现音乐作品中有独特表现性的音乐要素。

教参会给老师带来许多引领和启发，但是老师们不能完全依赖教参进行备课和教学。李存老师是在教参的基础上，关注教材本身，再通过研读总谱来备课的。在这个过程当中，教师聆听、关注总谱，深入的研究作品，带给学生更多的是音乐本身的体验感受和相关的文化，挖掘的是作品的内涵。

四、如何从音乐要素入手欣赏音乐

1．记住音乐主题

音乐欣赏教学最基本的要求就是学生在听过音乐作品以后，要能记得住音乐的主题，再次听到的时候能知道自己听过，老师讲过。其次，能说出这个音乐的特点和一些相关的时代与创作背景。

音乐最大的特点就是百听不厌，所有艺术形式当中只有音乐具有这种特点。无论是看小说、看舞蹈，还是看电影，看得多了都会厌烦，五遍之上不会有人再主动想看了，但是音乐听五遍是远远不够的。音乐心理学家曾经做过一个测试，最后得出这样的结论：任何音乐作品听90次之后就永远不会忘记了。所以，音乐经验的积累代表一个人音乐素养的基本状态，而音乐经验的积累是通过听来获得的。为什么记住主题是第一位的？因为对音乐修养来讲，储备音乐经验是第一位的。

一个人的音乐素养跟音乐经验的积累有直接关系。这个人很有音乐修养，音乐素质很高，但是他只知道理论和道理，这是远远不够的。对于大众来说，头脑中积累的音乐主题越多，就代表着这个人的音乐修养越好。记住音乐主题，甚至可以唱出许多交响乐的主题，就说明一个人很有艺术修养，而且很有音乐文化。

当然，一个人不可能把所有音乐作品的主题全都记下来，因为这太难了，特别对于大型音乐作品，例如交响乐，主题不止一个。对于欣赏者来说，能记住这些主题就真的是有音乐修养和音乐素养。但是，如果记住很多曲名，但记不住主题，就没有什么意义了，特别是在经典音乐当中，主题的创作是首位的。

很多年轻人愿意听流行歌曲，流行歌曲中最具有表现力的一句，会在音乐中多次重复。所以，大家记住主题的方式肯定是通过多次的重复来记忆。一些流行歌曲的主题就是通过反复和弥漫的方式让大家记忆深刻的。

用什么方式帮助学生记住音乐主题是音乐教师的任务，教师需要运用一切方法，一切手段，让学生熟记音乐主题。首先，教师应该研究音乐内容，因为教师要传播的就是音乐内容。有很多老师让学生动起来，学生就完全为动而动，完全不听音乐。其实，动的本身就是为了关注音乐，如果教师设计的参与活动和音乐主题没有关系，学生把所有精力都放在身体行为上的时候，就会忽视对音乐的持续关注，那么这个参与活动就是无效教学，是没有价值的。所以，老师一定要明白参与本身只是一种手段，一种方法，内容才是要永远放在首位的，因为内容永远比形式重要。

音乐和其他艺术形式不同，音乐作为时间的艺术，对人提出的最主要的要求就是要有好的记忆能力。因为时间的艺术是稍纵即逝的，所以必须有良好的音响记忆能力。记忆的是音响，不是乐谱，音响是可以分辨的，不仅要记住旋律，更要记住它的音响。

对一个人来说，审美能力的体现是在头脑中记忆高质量的音乐，一个人能记住高质量的音乐才可能有很高的审美能力，很高的音乐修养。当我们评价一个人唱歌唱的好不好，乐器演奏的好不好的时候，是因为在头脑中有了一个好的标准。如果今天听到的二胡演奏你认为是你有生以来听到的最好的，那是因为你拿头脑中记忆的标准和音响来衡量你现在听到的这个音响所得出的结论，这也叫做审美能力。

记住主题和音乐本身的特点有关系，因为音乐是时间艺术，所以记忆对音乐来说至关重要。

没有记忆就没有音乐，没有记忆力的人就无从谈起对音乐的欣赏和理解。所以记住两点，一是记住音乐的旋律，这是经验积累；另一个是记住音响的质量，这是审美的标准。

很多教师在教学的时候总是拿着乐谱让学生唱，从真正意义上来说这只能作为手段，其实记住音响比记住旋律更重要。也有不少教师在欣赏教学中解决学生的识谱问题，这种在实践中解决识谱问题的方式是非常好的。但是，这种识谱和记忆主题还是有差异的，利用欣赏课来解决识谱问题也不是欣赏教学的基本要求。老师们理解的课标精神经常和我们所提倡的相距甚远，看着乐谱本身记住的主题和在音响当中记住的主题是不一样的。我们在唱主题的时候，脑子里可以有谱子，但是重要的不是谱子，而是它的旋律。

音乐主题是一个音乐作品的标志。作曲家在创作的时候，首先要创作的就是音乐形象，就是音乐主题。这也是所谓的高雅音乐、传统音乐的创作特点。流行音乐的创作方式和经典的音乐创作方式不同。流行音乐开始几句的旋律通常不太容易记忆，但在高潮处一定会出现一个特别能让人记忆深刻并能打动人心的旋律，这是流行音乐的创作特点。经典音乐和高雅音乐一般要先写好主题，然后围绕主题进行发展。教师的价值取向是传播者，并以传播高雅音乐、经典音乐和传统音乐为主，基本不传播流行音乐，这些音乐和流行音乐的创作方法是不一样的，所以记住主题显得格外重要。

2．听出主题变化

大型作品的音乐主题，一般都有一个原型，之后是各种各样的变化。能够听出主题变化，始终抓住主题，也是非常重要的。

为什么要听出主题变化呢？因为经典音乐、高雅音乐和传统音乐中，一个主题呈现之后，一定会在发展过程中不断的变化。那么，音乐主题是靠什么来发展变化呢？就是通过音乐要素的变化。变化了以后带来了什么呢？带来了情绪情感的不同体验，这就叫音乐学习，是从音乐的审美角度来理解和感悟音乐的。

首先，作为教学，记住主题是一个基本的要求，而听出主题的变化则是人的一种能力。音乐有主题，主题会变化，要听出是主题的变化，还是主题的发展，或是新的主题，这就是在培养人的音乐欣赏能力。相反，这个过程中人的音乐欣赏能力也就形成了。

在教学过程中，老师要做到心中有数。学生可能不知道，但老师要让他们听的出来，要在教学当中引导学生听出主题的变化。比如讲《梁祝》，《梁祝》有爱情主题，很多老师一讲就是爱情主题，这对音乐教学来说是远远不够的。其次，这种说法是有风险的。因为音乐是非语义性的，爱情主题是人们后来加上的标题。在这个过程中，学生获得的是间接经验，而直接经验是听完音乐作品的第一感受。这就用概念对学生自由的理解音乐造成了束缚。数理化传递给人们的是一种间接经验，但和数理化不同，音乐教学是所有学科教学中唯一一个需要获得直接经验的学科。

听出主题变化是学习音乐的要求，并不是只知道作品标题和背景就可以了。听出主题的变化实际上是听出音乐要素的变化，听出音乐表现手法的变化。美国音乐课程教学中也提到，音乐教学中，记住主题只是一般性目标，听出主题变化才是我们要进一步完成的任务，是更深层次的要求，是深层次理解音乐作品内容的要求。听出主题是人人都能做到的，但听出主题变化则是需要我们通过教学才能实现的。

3．听出体裁结构

李存老师在给学生上音乐欣赏课的时候，不说音乐结构，但是在肢体上给予提示。这里就体现了教师的主导作用，用肢体来帮助学生分析音乐作品，所以学生能直接获得情感体验。音乐教师的语言是“金”，在上课的过程中很多时候用肢体语言表述会比语言陈述效果要好得多。肢体语言是音乐教师的第二语言，充分利用肢体语言往往会获得出其不意的效果。有时侯学生也会模仿老师的动作，挥一挥效果就出来了。

我们过去所说的民歌体裁、交响作品体裁、民族音乐体裁属于知识范畴。在欣赏教学中，体

裁既是知识，也是体验。这里所讲的音乐体裁，不是高师教育里所讲的音乐形式，需要把结构讲得特别清晰，分析的很细致，包括几个乐句以及乐句之间的关系。在中小学音乐教学过程中，作品体裁结构本身就是一个知识，不是说这是民歌、这是进行曲、这是戏曲等等，它不仅仅是一个概念问题。

老师们在教学中应该注意音响和概念相统一的原则，并不一定要求学生写出具体的作品结构，但是要听出这些部分的变化，把它变成一种审美的要求。因为音乐结构的变化其实就是音乐情绪的变化，或是情感的延续与对比。结构本身是知识，结构很清晰，就是通过听赏、体验的方式以及运用肢体语言传递给学生，这样内容、过程、目标、方法就都具备了。李存老师的课始终跟音乐紧密相连，整个过程没有离开过音乐本身。这就是概念和音响相统一的原则。

其实，上音乐课很简单，是我们教师把它复杂化了。学生主动感受了印象才会更深刻，并且可以在短时间内做的很好。所以，体裁跟音乐的内容是相关联的。老师在上课的时候采用不同的方式，采取不同的角度是可以得到不同的认识的。虽然体裁结构属于知识的范畴，但是它是通过音响来体现的。

如何把知识概念音乐化，这个过程值得我们关注。我们的教学其实是内容决定目标，目标决定方法，方法决定过程，过程决定效果。从内容出发，思考我们用什么样的方法做好这个传递者。

什么是音乐篇八
《什么是中国风格的音乐》

什么是中国风格的音乐

院系：文学院新闻传播系 姓名：叶晓欢 学号：2010211508 课堂：350 这学期我选修了《音乐欣赏》这门课，有幸在方老师的指导下欣赏到各个国家的优秀音乐作品，了解到众多优秀音乐大师的生平，让自己能够在这些隽永的音乐声中放松自己的心灵，同时也提升了自己的艺术鉴赏能力。

在这里我想谈谈自己对于中国风格音乐的理解。一直以来总是为中国元素而倾心，古代中国古朴大方，款款的站立在东方秀美的风景之中，如一位大家闺秀，我眼中中国风格的音乐亦是如此。相较于西方的音乐适合在富丽堂皇的音乐厅中演奏，中国的音乐更适合三两知己，一壶清茶，或于青山流水之间奏一曲古琴，或于清雅小室中弹一首古筝。她也许没有西方音乐那般激昂雄壮，但她有的却是一种悠扬清丽的韵味。我认为最具有中国风格的音乐，便是中国古代士大夫们演奏的音乐。

自然，中国音乐这种风格的形成和我们中华民族的文化历史有着密不可分的关系。我们国家十分崇尚孔夫子的儒学，儒家学派主张“天人合一”的理念，而孔子本人又很重视音乐的教育，他将音乐看做人修养最后才能完成的阶段，《论语》中有曰“兴于诗，立于礼，成于乐”。孔子还认为应该通过音乐来教育人们通晓“仁”的道理。所以在中国古代音乐中，我们能够强烈的感受到音乐中流露出来的人与自然的和谐感。不仅仅通过乐曲的主题，还通过旋律之间的和谐流畅来表达。著名的古琴曲《流水》可以说很好的体现了这种和谐美。《流水》的主旋律十分抒情，听着这优美的旋律我们仿佛可以看到那生机勃勃的大自然美景。这首曲子，音乐的旋律从静到动，节奏从缓到急，音乐虽是百转千回但却很协调，不会给人以突兀感。这首曲子很好的将大自然的美景与人们对于自然环境的热爱结合到了一起，我们可以从曲调中感受到一种开阔的精神状态，以及对“天人合一”的最好诠释。

中国古代的“八音分类法”，按照制作乐器的材料的不同将中国音乐分为“金、石、丝、竹、匏、土、革、木”这八类。光是从字面上看就能感受到中国音乐那种独特古朴的美感。这里也体现出了中国音乐和西方音乐的一个很大的不同之处：中国的音乐是线型的音乐，是单音音乐，基本上是靠单旋律来完成每个乐曲，并不像西方音乐那样需要和声。而最具西方音乐特征的音乐艺术形式就是交响曲了，交响曲有怎样的特点？那就是多种声部的配合，在一个主调下，通过各种声部的和声配合来达到他的艺术效果。这种形态的差异，成就了中国音乐独特的美感。我们欣赏中国音乐，例如《梁祝》、《春江花月夜》、《高山流水》时就会形成这样的感性认识，这些乐曲是悠扬而深邃的，每个音调之间的交替给人一种连绵的感觉，音乐如同潺潺的小溪，缓缓地流动。

中国乐器所独有的材料也给了中国音乐独特的魅力。中国的弦乐器很多，古琴、古筝、二胡、琵琶等等。弦乐器的弦被拨动之后，会形成很长的余音。这样本来应该是颗粒感很强的一个个弹出来的音，就能够连绵到一起，串联起来变成一个绵延的旋律。而演奏者通过手指在琴弦上的移动能够形成不同的音高，这些高低起伏，律动的旋律生动地表达出了演奏者的情感。

总觉得，现在我们耳边充斥着各种各样没有灵魂的声音。总觉得，传统的中国元素音乐离我们越来越远。仿佛提起中国元素，就是戏剧，就是老古董，就是安静到乏味的旋律，现代人是不是越来越难拥有那种坐下来静静欣赏，细细品味的心境了？还记得上小学的时候，周杰伦的一首《东风破》给我带来过多大的震撼。第一次知道原来流行音乐加入充满中国风格的元素之后，会有这么不一样的效果。第一次发现，中国元素，并不是奶奶箱底的压箱宝，她明明还有着那样的活力，她明明可以焕发更绚丽的光彩。也许在这个日益浮躁的年代里，也只有这样的方法才能让中国风格的音乐重新焕发光彩，为更多的人所了解、所喜爱。

我眼中的中国音乐，一直在古代华夏的青山绿水之间回荡，她是柔情万种的，又是曲折悠长的，她细腻温柔，却又柔韧有余。真心希望有一天，中国元素的音乐能够在现代社会中找到自己应得的位置，得到应有的关注。

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