巴赫时代的钢琴

导读：　巴赫时代的钢琴篇一《巴赫时期音乐的特点》 ...

本文是中国招生考试网（www.chinazhaokao.com）成考报名频道为大家整理的《巴赫时代的钢琴》，供大家学习参考。

巴赫时代的钢琴篇一
《巴赫时期音乐的特点》

巴赫时期音乐的特点

姓名：刘泽民 学号：19110118 摘要： 在人类文明演替近几千的历程中，音乐一直伴随着我们。不论是西方国家的音乐艺术，还是东方世界的艺术流派，都焕发出艳艳夺目的艺术魅力。音乐，是一种高雅的意趣，是一种上层的精神享受，音乐的内涵是一种超越国界，超越地域，超越信仰，超越文化的美的享受。尽管音乐依托于文化，但音乐却往往会将文化加以润色，使之更散发出无穷的感染力和吸引力。

在音乐发展的历程中，一个时期是不能忘记的，正是因为这个时期的更进与洗礼，音乐从此走上了一条规范化，平民化的道路。这个时期就是巴洛夫和巴赫时期。研究巴赫时期音乐的特点对于我们更好地理解和认识音乐的发展脉搏是有十分重要的意义，音乐从此真正的开始登堂入室，成为大众生活中不可或缺的一种精神体验与听觉享受。

关键词：巴赫时期 音乐特点 后世影响

音乐是一种美的享受，懂得音乐的美可以让我们在许多地方有与众不同的感觉，当然对于音乐，我们要真正理解它还必须从音乐的基本要素来着手。 在音乐的发展历程中，巴赫时期无疑对音乐的引导有着不可磨灭的影响，巴赫时期的音乐上承巴洛夫时期，下开音乐规范化的先河在音乐的殿堂中独树一帜。对于巴赫时期音乐特点的讨论非常有益于我们对后世音乐的研究和分析。也有益于帮助我们掌握音乐发展的基本脉络，这样我们就更容易理解音乐中不同声调，不同声部所表达的意思。对于我们理解音乐内涵，认识作曲家所作曲目的意思是有着极其重要的指导作用的。因此，我们为您非常有必要了解巴赫时期音乐的特点。

具体来讲巴赫时期音乐的特点可以分为八个特点；

八大特点一：速度。它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平均律中速度应当和当时乐器（古钢琴等）相吻合，与当时的时期（巴洛克时期）想吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果我们在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不合适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。

二：节奏。巴赫作品以节奏严谨平稳而著称。由于作品属于巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快的节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处于一个基本节奏之中。但严格的说，在巴赫的作品中有严格节拍与自由节拍的两种不同形态。严格的节拍需要自始自终的统一律动。不能忽快忽慢。另一种则是自由而即兴性的部分，这部分音乐因突出其炫技的性质，因此需要适当的自由速度。

三、线条。这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏巴赫的复调作品前，我们应该对线条在脑中有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能像浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但它一定是存在

的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会另人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格在结束时我们都去做渐慢，也太呆板了，我认为，一首歌唱性的。宽广流畅的赋格曲比一首欢快的轻巧的赋格曲更适于在结尾处做渐慢。

四、声部。平均律属于复调作品，也就是多声部的音乐作品。我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。在学习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。但是，在控制中，每一个声部又应当是清晰、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部分抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。

五、触键。钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿古钢琴上的清脆效果比较合适。而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连贯要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能获得古朴典雅的音响效果。

六、力度变化。总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋于平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。另外，巴赫作品的力度应在按照乐曲的内容、结构来改变的同时，也要把力度总体放轻。著名德国钢琴家吉泽金说：“所有的巴赫作品的力度记号都要按比例降低一级，绝不要超过中强，因为当时的乐器与现在是大不相同的„„巴赫的音乐要非常精致，要注意细致的差别„„力度要有层次。”无论如何，强弱分明的格式决不能用到所有的前奏曲与赋格曲上去。

七、装饰音。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法，也可以根据自己的个人判断，有一定程度的自由。每种装饰音往往可以用好几种方法来弹，而且都是正确的，可以被接受的。巴洛克时期演奏家们在弹奏所标出的装饰音时必须有一定的自由来发挥想象。今天我们演奏巴洛克时期的音乐时，也可以根据前人总结出的规则在一定范围有所变化，这取决于我们对特定时期的演奏风格和装饰音运用方面的知识，以及好的音乐审美能力。另一方面，因为适合于古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以，巴赫的装饰音切不可弹的太急、太强、太断和太华丽。

八、踏板。一般来说，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不少人都认为踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上极为重要而且极难把握的，由于踏板没用好而导致演奏失败的例子随处可见。在巴赫的作品中，踏板用的多了，会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损于巴赫的风格。我认识踏板的运用应当根据乐曲的不同来决定。著名前苏联钢琴家捏高兹就认为：“弹奏巴赫音乐时应该运用踏板，但要用得恰当、小心、极其节约，当然有很多地方是不适宜用踏板的。但是，如果再我们现在钢琴上弹奏巴赫的作品而完全不用踏板，那么比起羽管键琴来，钢琴在声音方面多么贫乏啊！”所以，根据

不同的情况，我们在弹奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等，是可以使用踏板的，但我们要用耳朵仔细的倾听，然后小心的进行.

通过对巴赫时期音乐特点的了解，在辅之以对音乐元素的研究，我们很容易找到后世音乐中那些基本特点和传承脉络。相信，对于巴赫时期音乐的研究一定会将现代音乐带入一个新的高度。

参考文献：

世界名曲欣赏 杨民望著 上海音乐出版社 1991.3

Anthems For Choirs: for sopranos & altos London

Press, [1973] : Oxford University

巴赫时代的钢琴篇二
《不同时代的钢琴音乐风格》

浅谈不同时代的钢琴音乐风格

摘 要：音乐起源于劳动，是用有组织的乐音表达人们的思想感

情，反映现实生活的一种艺术，她发展在各个社会阶段中，扎根于

劳动人民的心里。在不同的时代，艺术家的创作风格会各不相同，

从世界历史发展的角度来看，钢琴的音乐风格经历了四个主要时

期：巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期及印象主义时期。

同时钢琴流传到我国，也有她独特的风格，即中国风格。

关键词：巴洛克；古典主义；浪漫主义；印象主义；中国风格

一、巴洛克时期

巴洛克时期大约的时间段是1600年至1705年间，那个阶段正是

欧洲文艺复兴时期，音乐开始宣扬以人为本的思想，对于后来的艺

术发展来说是具有一起深远的意义。也就是从那时开始，欧洲传统

的大小调式逐渐形成。这一时期最重要的创造还有音乐“对比”的

概念，在这一时期的音乐结构中得到了全面的体现，比如音色的不

同，音的高低不同，还有力度的强弱、速度的快慢等方面。

巴洛克时期的钢琴音乐，追求的是宏大的规模，雄伟、庄重、辉

煌的效果，演奏速度适中，对比强烈而略带夸张，节奏活跃而律动，

旋律精致而富于表现力，跳跃且连绵不断！在这个时期，“通奏低

音”记谱法得到了成熟的发展与应用，演奏者可以根据在乐器上标

注的数字提示奏出低音和和声，也可即兴演奏；确立了大—小调的

和声体系技法代替传统的教会调式的优越性；注重运用各种乐器的

特点和性能，并有机地结合起来，更能体现音乐作品的表现力和审

美力；在节奏上，以低声部为基础，尽量创造连绵不断的节拍，产

生一种生机勃勃的效果；同时巴洛克音乐的低振幅、低频率让人进

入一种超级脑能境界，能让学习、记忆和创造性思维获得充分的施

展，从而大大提高大脑的效率。

这一时期的艺术创作风格以巴赫为代表，巴洛克音乐的时代划分

便是以他的逝世年份为终止的。巴赫的音乐通过深化复调表现手

段、通过深化咏叹调与抒情性、通过深化装饰音等，以极强的能力

包容了一切而又改造了一切。他的复调音乐，他创造的《平均律钢

琴曲集》是全世界近代音乐的经典，证明了12韵律的优越性，是

音乐的巅峰人物、是艺术史上的巨人。

二、古典主义时期

古典主义时期主要是欧洲音乐史1750年至1827年的历史阶段。

这个时期的音乐主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有

丰富哲理内涵的古典音乐。18世纪发生的哲学和思想的启蒙运动对

整个欧洲产生了重大影响，同时也影响了音乐的发展。这一时期的

音乐社会文化特征表现为强调人性解放、崇尚英雄主义，追求人权

平等。

古典主义时期的音乐结构都强调一种调性间的平衡，不仅让听众

明确的感觉到音乐是如何进行的，而且还能准确地音乐的进程，即

紧接着出现的音乐内容。她追求的是一种基于理性基础上的对称

美，更注重用音乐来表现重大社会题材以及新兴市民阶层的生活风

貌，时代性较强；对器乐色彩的变化要求也越来越强烈，成绩显著；

曲式结构规范，和声功能完善，配器细腻，音色力度变化丰富；风

格上以旋律为焦点，主调音乐风格起统治地位，内容深刻、形式严

谨，二者高度和谐统一。

这个时期的代表人物就是被人们所熟知的海顿、贝多芬、莫扎特

等人。莫扎特几乎全部的作品中都洋溢着民主自由的思想，典雅、

纯净并迸发出在巨大社会压力下的明快、乐观情绪，注重客观与主

观的平衡。贝多芬在法国大革命的强烈影响下，终身都崇尚自由和

尊严，他的钢琴奏鸣曲，颂扬的是“与命运抗争”的时代信念，有

着博大构思、宏伟气魄和深邃内涵，呈现出了千差万别的特征。

总之，古典音乐是西方音乐历史发展到高峰的一个阶段，永远是

西方音乐史上的一颗璀璨明珠。是现代心灵中坚持坚守美感的忠诚

守护者，我们要以更加虔诚的态度去欣赏古典音乐，才能更好地净

化我们的心灵、丰富我们的生活和情感。

三、浪漫主义时期

通常意义上，认为19世纪上半叶至20世纪下半叶是西方音乐史

上的浪漫主义时期。这个时期的作曲家在音乐创作题材上鲜明地体

现着本民族历史、风俗、精神内涵等特征，有强烈的民族意识和共

同的音乐美学创作准则，他们追求的是精神文化上的自由，创作目

的是振兴民族文化、激发全国人民的斗志、获得民族的解放与独立。

浪漫主义时期的钢琴音乐是自由奔放，形式上是无拘无束的，它是

“如歌的、热烈的”，而“抒情”和“描绘”是最为关键的，表现

出强烈的民族性和个性。自由节拍在这个时期得到了前所未有的运

用和发挥，是浪漫时期钢琴音乐作品的“灵魂”。浪漫时期的速度

幅度与力度比古典时期又有较大的扩张。浪漫主义时期和声变化多

彩，有更多的转调和半音体系等来获得新鲜的和声效果。钢琴织体

的写法也有很大不同。声音的多层次是浪漫派音乐的最大特点，旋

律本身的歌唱性、旋律与伴奏的层次非常重要。有非常富于歌唱性

的连奏和非常短促的跳音，踏板的使用更复杂、更精细。能表现自

我小宇宙和个人情感的“性格小曲”受到的重视较多。

这个时期是音乐大师层出不穷的时期，肖邦便是十九世纪欧洲乐

坛上的一颗十分耀眼的明星，被誉为“钢琴诗人”，他代表着“黄

金时代“的浪漫主义音乐，我们能从他的作品中感悟到作曲家内心

与别人的对话。“左手是指挥，它是坚韧不屈的，它是一座时钟。

右手可以做你想做的和可以做的。”是肖邦钢琴音乐的诗性变换与

灵性的真实写照。同时他的音乐中有深刻的民族内容，对祖国、民

族未来的憧憬而唱出的激昂慷慨的段落更受到人们的敬仰。

四、印象主义时期

印象主义最初是绘画的一个学派，当历史走进20世纪的前夕，印

象主义作曲家用音响和音色为手段来描绘稍纵既逝的印象给人以

感官的享受。这个时期的音乐既延续浪漫主义的一些基本倾向又开

创一个新的未来时代。印象主义音乐大多数均具有明确的美学价值

取向和音乐表现的目的性，注重情感的呈现于激情的迸发；音乐的

标题只是象征意义，最终的目的是唤起一种意境，一种朦胧的、若

隐若现的气氛；从音乐的抒情性与造型性功能的角度来看，印象主

义音乐的抒情性是非现实主义的情感类型，造型性功能意识和主观

占据重要地位；在乐曲的形式上多采用短小且不规则来体现；和声

丰富多彩，淡化了和声的功能体系，扩大了和弦的使用范围和结构，

独立使用附加音或省略因；摆脱了大小调体系的束缚，引进了中古

调式、东方的无声音阶等。法国作曲家德彪西是印象派的创始者。

他打破了调性的束缚，具有丰富多彩的和声，以及对音乐新的音响

细腻变化的探索，开拓了钢琴音色的奇妙世界，是对传统音乐的挑

战，开启了一个梦幻和令人向往的音乐世界，是20世纪钢琴音乐

的重要里程碑。

五、中国风格

钢琴传入我国已有百余年的历史，这期间我国的钢琴音乐创作经

历了萌芽、起步一直到繁荣发展的过程，我国的钢琴作曲家们追求

清晰透明的旋律线条和简洁明了的曲式结构的创作特征，他们的作

品逐渐走向世界，为世界钢琴艺术增添了许多瑰宝。1915年我国第

一首钢琴曲是赵元任先生的《和平进行曲》，标志着中国钢琴音乐

的诞生，此时的音乐风向开始从日本转向欧洲，构思简单、结构短

小是初期的音乐特征；齐尔品先生是中国钢琴音乐风格的奠基人，

巴赫时代的钢琴篇三
《如何在现代钢琴上诠释巴赫》

巴赫时代的钢琴篇四
《浅谈巴赫复调钢琴作品的演奏风格》

浅谈巴赫复调钢琴作品的演奏风格

学生姓名:XX 学号:XXXXXXXXXXX

音乐学院 音乐学X班

指导教师:XX 职称：讲师

摘 要：约翰•塞巴斯蒂安•巴赫——十八世纪上半叶欧洲最伟大、最有影响力的作曲家，也是巴洛克音乐时期的重要代表人物。同时也被誉为西方“极乐世界”的乐祖、乐圣。巴赫的音乐作品也被后人认为具有永恒的价值。巴赫的音乐作品体现了巴洛克音乐时期复调最高超、最成熟的技术水平。同时也是巴赫使复调音乐达到了顶峰，其音乐作品形式严谨，有很强的逻辑性、哲理性，表现出庄重富有内涵的乐思。正是巴赫这些与众不同的创作特征，使他的音乐作品与其他作曲家的作品在演奏上有很大的不同。本文从巴赫作品的演奏风格，力度，指触，指法，踏板几个方面加以论述。

关键词：巴赫；复调；逻辑性；哲理性

Abstract：John Sebastian eighteenth century, Bach -- the most greatness

and most influential composer, and baroque music period of important representatives. Also known as the western "heaven" Music ancestor ,le holy. Bach's music works also be remembered that the value of enduring. Bach's music works baroque music period reflects the most mature polyphonic most superb, the technical level. Also Bach makes polyphonic music reached its peak, its music works, have very strong form rigorous logic, philosophical, show vehicle of grave rich connotation. It is these distinctive creative features, Bach's music works, make him in with other composers of the play is very different. This article from Bach playing style works, dynamics, refers to the touch, fingering, pedals several aspects.

Keywords: Bach; Polyphonic; Logic; philosophical

前言

约翰•塞巴斯蒂安•巴赫（Johann Sebastian Bach，1685-1750），德国最伟大、最有影响力的作曲家之一。巴赫带给人们的却是上帝的语言，华丽高雅而不

做作，繁复的曲调之中蕴含的作曲技巧几乎在他后来的任何作曲家身上都找得到他的影子。

一、 演奏风格

巴赫音乐的演奏风格经历了一个漫长的演变和发展过程。巴赫是巴洛克时期的作曲家，他所创作的音乐作品距今已有三百多年，由于年代的限制，那个时代的音乐家们的演奏风格并没有录音可考，现代的人们只能从一些史料的记载中去间接地了解到巴赫音乐作品的演奏风格。从流传下来的当时的乐器——羽管键琴和古钢琴，可以推断出巴赫的键盘作品大致是发出淡雅、清澈的声音。1750年巴赫去世，由于它的音乐过于复杂，以至于在他死后的一段时间里被人们淡忘。直至19世纪中叶，两位德国作曲家门德尔松和舒曼极力地挖掘和推广巴赫的作品，使得巴赫的作品又流传于世。20世纪中叶又引起了源自西欧的一场“真实性”的运动。让巴赫的真实声音通过用巴赫时代的乐器演奏和展现出来。这种真实性运动的思潮也反映在了现代钢琴家的演奏上，他们在演奏钢琴时刻意地去模仿羽管键琴的声音，把声音弹得很干，幅度很小。但是他们万万没有想到的是，巴赫本人在创作及演奏自己的作品时，对声音介质的要求是很随便的。这足以说明巴赫在作曲时考虑到的是音乐结构本身，而不是表现音乐的音响介质。因此巴赫作品的演奏风格应该是要能够充分体现作品的简约、质朴和结构的完美。巴赫音乐作品的艺术真谛应该是存在于他音乐本身的建构中，存在于旋律、节奏、和声、音型等音乐元素完美的横向与纵向的对位组合之中。巴赫音乐作品演奏风格的真谛应该是用现代钢琴的声音变化去表现巴赫作品的结构意图，用简约质朴的音乐语言去打动每一位听众。

二、力度

（一）在演奏时要注意巴赫音乐的对位性

巴赫的音乐有一个很大的特点，那就是不同声部的乐句在不同的时间开始、呼吸与结束。这就要求我们在演奏时对力度的处理也应该相应的在不同的时间变化。比如这首乐曲第17至27小节，每个声部都根据各自的分句，有各自的力度变化时间，而不是泛泛的渐强和渐弱。再则，巴赫的音乐中不但有横向的力度变化，还有纵向的及斜向的力度变化，不但存在于两个声部的作品里，还存在于三个、四个或五个声部的作品里。

（二）力度变化以阶梯式为主

由于巴赫的音乐结构思维与建筑结构思维相近，巴赫音乐的力度变化也以阶梯式为主，而不是古典主义后出现的渐强或渐弱，第25至27小节模进的渐弱，我们把它处理成f到mf到mp，而不是逐渐的渐弱。这更符合巴赫及巴洛克音乐的结构性，而不是浪漫派音乐的语言性。

（三）巴赫音乐作品的力度变化更多的是存在于声部间与乐句间的

由于巴赫音乐作品的力度变化更多的是存在于声部间与乐句间的，因此，在处理巴赫音乐的力度应避免在一个乐句里做过多的力度变化与起伏，只有这样才能更清晰的表现巴赫音乐的对位性和构建思维，反之就会破坏巴赫音乐的结构感。

（四）根据乐曲中织体不同的布局，音色的选择会遵循一定的规则

1、当高音部与其他音部有较大间距时，往往可让该声部以飘柔的声音歌唱。

2、当织体中的各声部有较大间距时，中声部可以坚实突出。

3、当低音逐步下行，尤其在上方声部为长音时，低音声部可以浓厚些，即便时瞬间的变化也时值得的。

4、当两个声部音区交错时一定要让主要声部清楚。特别时两个线条纠缠在一起时，通常会让以较小时值构成的流动作为背景而淡化。

三、触键

鉴于巴洛克时代的乐器条件和当时审美风范的要求，钢琴上的各种触键方法与近代的要求不同。A轻巧（Leggiero）：手指只须轻击键至较浅的程度。B断奏（Staccto）：手指以更快速的动作击键与放键。一般不用手掌的跳动。通常占时值的标记的1/2.C非连奏（non legato）比“断奏”的放键时间略长些，通常占时值标记的3/4.D顿音（portato）四分音符或二分音符，常以整个前臂动作完成，八分音符则以手指控制，使放键时间略长于“非连奏”音。E连音（legato）：巴洛克时代的连奏中无须抹去每个音的起奏点，音色应当集中。

四、指法

在巴赫的音乐作品中有这样几种特殊的指法：

1、垫指：为了达到“较连奏”的效果而采取的一个手指越过另一个手指的演奏方法个手指的演奏方法。如三指经过四指，四指经过三指等。弹奏时要注意手腕的灵活，当一个手指尚未取代前一个手指时，前一个手指不应该离开琴键。

2、无声换指：为了保持某音同时又方便弹奏其他声部而采取无声的同音换指。

3、同音换指：弹奏重复音连奏时，为了使弹奏清晰流畅，可采取同音换指。

4、滑指：为了获得连奏的效果，同一手指从一个键滑到另一个键。如白键滑到白键，黑键滑到黑键，黑键滑到白键和白键滑到黑键均可。滑指时要找到最好的手指倾斜度。

在演奏时为了能够达到一定的演奏效果，还要注意指法的选择和运用通常有以下几个原则：

1、模进的片段大多用相同指法演奏。

2、尽量运用顺指弹奏，大拇指尽量避免上黑键。在较难演奏或装饰音处，要多用较强的二指和三指。

3、曲子的速度不同，指法也就不同。慢速度的指法不一定适合快速度，所以应以该曲适合的速度来确定指法，并且固定下来在关键处作上标记。

4、由于演奏者手的大小各不相同，因此要根据个人手的特点来选择指法。

五、踏板

巴赫的音乐作品中有着很强的结构性与逻辑性，我们在演奏的过程中为了充分展现出音乐的这种特性，在踏板的使用上就不能用踏板来造成“和声的交织”和“织体的模糊”。这也要求我们在使用踏板时要十分小心，谨慎，在以下几种情况下可以使用踏板：

1、我们的手指难以达到连奏时，可以巧妙的使用右踏板。但是这时的踏板要踩得很短，要用踏板捉住一个声音的音尾与下一个声音的音头从而使其连接。

2、当我们需要一种丰满和歌唱的声音时，也可以使用右踏板。右踏板是可以用于美化音质的，当我们演奏长时值的音或者是旋律性较强的句子是，巧妙的运用右踏板就可以使声音更加的歌唱，细腻。在巴赫的音乐作品中，我们也可以用弱音踏板。弱音踏板不但能做力度变化，而且更能表现出音色的变化。踏板的运用在巴赫音乐的演奏中是不同于其他作品的。因此我们在踏板的运用上一定要

慎重。要先把音乐中要求的句法、奏法弹好，然后在根据需要使用踏板。不能滥用，以免影响各声部间线条的进行，破坏了音乐的整体结构。

结束语

综上所述，巴赫是位伟大的哲学家，因为他的作品蕴涵着丰富的哲理。巴赫的作品像大海，宽广而深邃。他一生中所写的任何作品，都表现出他在旋律和节奏方面的创造性以及和声方面的大胆及丰富的想象。巴赫的作品对欧洲近代音乐的发展产生了极其深远的影响，为全人类音乐的进步和发展指明了宽广的远景，为世界古典音乐树立了丰碑，因此，巴赫被称为“西方音乐之父”。

巴赫时代的钢琴篇五
《各个时代钢琴音乐风格简介》

各个时代钢琴音乐风格简介 音乐起源于劳动，发展在各个社会阶段中，扎根于劳动人民的心里，人类对音乐在不同时代有不同的要求。因此，不同的时代、不同的作曲家风格形势也各不相同。在众多的钢琴文献中，不同作品处理各不相同。而钢琴学生为丰富自己的曲目、拓宽视野，应多接触各个时期的作品。在这里我把各个时代的风格作下简介：1、巴洛克时期音乐：巴洛克时期从年代上大约始于1600年至1705年间，当时的思想是博大的，在音乐领域内出现了一些意义深远的进展。在巴洛克时期，节奏是特别强烈、活泼、持续和反复的。在旋律方面是活跃的，持续不断地展开，而且常用颤音和其他装饰音技巧来修饰。在结构上多用的是复调音乐、多旋律。在速度和力度变化上，巴洛克时期的作曲家第一次在乐谱上标志了速度，使用了“柔板”、“快板”等字样。它的特点是“阶梯式的力度变化”。是一个均匀的的弱音段后面跟一个均匀的强音段。例如巴洛克时期代表巴赫，他的管风琴音乐将科学与诗歌、技术与情感、精湛技巧和高贵的思想融为一体，使过去的复调音乐充满活力，他是巴洛克音乐的巅峰人物、是艺术史上的巨人。2、古典时期音乐：古典时期音乐一般认为始于1750年(巴赫逝世的那一年)，结束于1827年(贝多芬逝世那一年)。在风格上严谨而优雅、简朴庄严、准确。古典时期音乐着重形式美、稳重、有秩序、合乎逻辑，同时又有大胆发挥、创造性、幻想的情感。在节奏上，作为音乐整体的一部分，以“极甚精妙和敏锐的手法”来处理。在旋律上，认为旋律是古典和浪漫时期音乐的“灵魂”。在力度上，不同于巴洛克时代的“阶梯式力度变化”。而是被另一种力度变化而代替，即在一个段落中强音和弱音更多突然的和戏剧性变化。如：古典时期的莫扎特—最杰出的天赋音乐奇才，而贝多芬—一位强烈而激情的不朽的咆哮者。他们两个人音乐十分具有代表性。罗曼·罗兰曾说：莫扎特的音乐是生活的画像，是美化了的生活。他的音乐总是指向心灵，并且始终表达情感或激情。而贝多芬的音乐，宣扬了自己生活和创作的准则，那就是最强有力的音乐。贝多芬晚期处于巅峰状态，他的作品被“超越了从前所有音乐，向人类想象力所能触及的最高领域翱翔”。这时他完成了两首最宏伟的作品《第九号交响曲》《庄严弥撒》，一位专家称贝多芬为“人类情感和思想的彻底解放”。3、浪漫时期音乐：浪漫时期包括了19世纪大部分时间，并至20世纪开始的艺术革命，后由第一次世界大战导致人们的理想幻灭而结束。从18世纪末至1

9世纪，到处充斥的民主和个人主义精神，不可避免地反映在艺术上。诗人画家、音乐家喜爱的是主观性和内心表达，而不是客观性和形式。这是一个十分有利音乐发展的年代，这是一个从表述情感主义和梦想的时代，是一个自由的、自然的时代。浪漫时期，要类取得胜利，得到解放。浪漫时期的音乐比20世纪音乐温和得多，也更富抒情色彩，比音乐史上任何时期更吸引了广泛的听众。浪漫时期音乐在节奏上过多使用了有规律的重拍。在旋律上，极为强烈，事实上浪漫时期的旋律直到现在仍然是公众心目中旋律。它是“如歌的、热烈的”，而“抒情”是关键的。在和声上比古典音乐要复杂的多，有更多的转调和半音体系。在力度变化上比古典时期多得多，在力度变化上和音乐的其他方面一样，浪漫主义作曲家喜欢突然的变化，而这是古典作曲家及力避免的。在浪漫时期音乐中，肖邦最具代表性。肖邦是钢琴时代最多才多艺的钢琴家，历史上最优秀的钢琴家之一，也是大作曲家中唯一只写钢琴曲而不写其他作品的人。肖邦是小型曲式大师，他的作品大多数激烈、富于诗意、充满感情。许多作品充满着巴黎人的细腻，而另一些则又显出波兰人炽烈的爱国热情。波兰舞曲起源于波兰，一般认为是傲慢、威严、列队行进的交际舞。肖邦最著名的波兰舞曲包括：A大调“军队”及降A调“英雄”。马祖卡舞曲在肖邦的全部作品中占有特殊地位。它们概略表达了奏鸣曲、诙谐曲等等所产生的英雄气概、雄伟和复仇心。马祖卡舞曲是肖邦的精髓—重感情而不重理智，愉快和悲哀交替进行。4、20世纪时期音乐：20世纪的音乐最多样化，开始时自主性、情感主义和标题音乐，但很快就被一种新的纯音乐代替。在节奏上，20世纪音乐中，节奏得到了充分体现，比过去任何时期变化更多、更复杂、更有活力。有些作曲家试采用“多节奏”。在旋律方面，这一直是音乐要素中固定成分，而在20世纪音乐中旋律让位给节奏、和声、音色，有时根本无旋律。德彪西是钢琴音乐最优秀创造者之一，是印象主义音乐的奠基人，他代表了从浪漫主义到20世纪音乐的主要过渡。这一时期，几乎没有人比德西更为重要。他在音乐艺术中进行了一场彻底，发明了他以前认为“不协和和弦”的和弦联合在一起的新方法，并利用它们产生精美的和声，他打破了大传统的规则，制订了一些旨在表现转瞬即逝的感觉和微妙、飘浮不定的情绪的新规则。通过以上介绍，使学生民解掌握了不同时代不同风格，这对学生理解作品有很大帮助。同时，为更好地表达音乐提供了可贵有资料。

巴赫时代的钢琴篇六
《钢琴》

钢琴教学可分为启蒙，初级，中级和高级四个阶段，各阶段的学习内容通常包括基本练习，练习曲，复调作品，乐曲几大类。作为基础练习，目前仍然是车尔尼的作品最为系统，如《钢琴初步教程》599，《24首左手练习》718，《钢琴流畅练习曲》849，《钢琴快速练习曲》299，《钢琴练习曲50首》等。

车尔尼是19世纪上半叶维也纳钢琴演奏学派的代表人物，他所写的大量练习曲是针对古典作品演奏技术，即“古典技术”训练的，主要是手指的颗粒、均匀、快速，对左手的训练较为薄弱，因此期间必须增加各类作曲家的联系曲目作为补充。这些教材可以根据学生的实际情况，有针对性地选择，穿插进行，不能一味的依次一条条的弹下去。

儿童的启蒙阶段

在目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入门法，目前在国内广泛应用的《汤普森浅易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。

李斐岚，董钢锐编著的《幼儿钢琴教程》采用了以中央c为主的入门法，突破了以往此类教材的音域局限，从3指开始学重量落下，逐步扩大到其余各个手指的方法已被公认为最好的方法。

冯•德•魏尔德：《陶梅格•露丝》系列。这一幼儿系列较注意引起幼儿的兴趣，从小培养他们具有良好的乐感。

柯达依：《钢琴学校》第一册。

巴托克：《小宇宙》。这是一本非常重要的入门课本。因为它的五指位置包括种种非大调或小调结构的五指排列，有助于学生及早接触黑键及各种调式，含有许多复调模仿级对位因素。

齐格勒：《钢琴教本》第一册。该书的特点是先听后弹，耳朵领先。

勋格勒：《钢琴教室》第一册。

狄贝阿里：《二十八首联弹练习曲》中较容易的，越早让学生进行四首联弹训练，越有利于养成用耳朵听辨声部与互相配合的习惯。

一、钢琴教学的初级阶段

这个阶段的学习内容相当于从车尔尼的《钢琴初步教程》599到车尔尼的《钢琴流畅练习曲》849。

1、车尔尼的《钢琴初步教程》599

这是我国钢琴初级阶段教学运用极为广泛的教材之一。全书可分为三个部分。第一部分是57首以前这部分是巩固手型，训练手指独立性的联系，要求弹奏放松、自然、联系速度以慢速中速为主。

第二部分是58~79首。58首到70首饰训练快速练习，这里的快速是针对前阶段而言的，在学生走法正确的基础上要求初步加快速度。71首~79首是带装饰音与不带装饰音的旋律练习。练习时先慢速，把节奏弹准确，

弹平均，双手对齐，在稍微加快。这部分又是旋律练习要注意乐谱上的表情术语及力度术语，注意分局、呼吸、旋律的连贯与歌唱。

第三部分是80首到结束，是综合新的练习，无论音型、节奏型、音阶琶音类和双音练习都比前面丰富，；练习时不仅要弹准确，还要注意音乐起伏，作出力度，速度变化。

2、车尔尼《钢琴简易练习曲》139

这是从599过渡到849的教材之一。139的教材编排不如599集中，可以选择与599不同类型的曲目。在599到50首左右就可以交*使用。

3、车尔尼《24首钢琴左手练习曲》718

这是全部为左手而写的练习，内容有音阶，琶音型、五指型、分解和弦等，学习顺序要灵活掌握，对于手小的学生，可以先学音阶型或五指型的曲目，八度练习暂缓。

4、车尔尼《160首八小节钢琴练习曲》821

本教材不仅技术类型较丰富，而且难度跨度大，包含了从初级程度到高级程度的练习。每一首只有8小节，技术课题非常集中，尤其适合一些其他课业多，练习时间较少的学生使用。

5、莱蒙《钢琴练习曲》37（又译为“勒穆瓦纳”）

全书共50首，由浅入深。他的特点是较多的左手练习，双手比较均衡。可以弥补车尔尼练习曲中偏重右手的不足之处。

6、布格缪勒《简易练习曲25首》100，《练习18首》109

这两集练习曲都是有标题的小曲，形象鲜明，手法简洁，旋律优美动听，音乐性较强，非常适合初学者学习。在599到50首左右时，可以逐步选用作品100的曲目。

作品109在技术上比作100难，篇幅也大些。在进入车尔尼的849后可以选用。

7、车尔尼的《流畅练习曲》849

从599到849是初级阶段的前期进入到初级阶段的后期。849共30首，每一首的技术内容基本上不重复。在选用时要具体分析每首练习的难点，考虑技术的“过渡”问题。

849与599，139不同之处是每首曲子有了速度标记，根据849教材的标题，应当做到演奏流畅，尽可能按要求的速度去弹，为下一步中级阶段作准备。

8、赫尔契伯格编《趣味钢琴技巧》

从预备到第五册，由浅入深。编者从几十位作曲家的作品中选择了一些旋律优美而短小的练习曲，每首都有标题，并在标题下给予明确的提示和要求。技术类型比较全面，又由于作曲家各自不同的风格特点，因此，曲目丰富多彩，是一套生动有效的教材。

二、初级阶段的复调

复调作品的特点，是左右手不同声部、不同旋律同时进行，在节奏、重音、力度、句法、旋律、起伏等方面既有内在的联系，又各自独立。对于训练大脑的多维思维，节奏感、左右手的独立性等都是很好的教材。

1、巴赫《初步钢琴曲集》

这本教材共28首，是巴赫为其妻子安娜•玛格达蕾娜写的练习小曲，是初级阶段比学的内容。

2、巴赫《小前奏曲与赋格曲》

这是适用于巴赫《钢琴初步曲集》与《创意曲集》只见的教材。

3、中国作品

中国作品中有一些较简单的复调作品，采用了广大群众熟悉的民歌作为主题，比如王震亚的《沂蒙山小调》，陈静荠《浏阳河》，黎英海《盼红军》、《花鼓调》、陈铭志《子弟兵与老百姓》等。

三、钢琴初级阶段的乐曲

1、汤普森《现代钢琴教程》

这是一套内容极为丰富的教材，由浅入深共五册。除了简易的钢琴曲外，还精选了大量歌剧、芭蕾舞剧、交响乐等世界名曲的改编曲，其中包括巴赫、莫杂特、贝多芬、肖邦、李斯特等著名音乐家的作。在每首作品前，或介绍作曲家，或介绍乐曲特点，或讲解音乐常识，或支出联系药店，使学生在学每一首曲子的同时，获得更多的知识，提高音乐素养。由于乐曲形象生动，深受学生的喜爱。

2、威尔《世界儿童钢琴名曲集》

这是一本深受国内外儿童喜爱的曲集，其中都是简化了的世界名曲，在训练技术的同时，培养学生对音乐的感受和表达能力。

3、《钢琴小奏鸣曲大全》

小奏鸣曲是我国钢琴教学中运用较为广泛的内容之一。这本大全收入了海顿、克列门第、库劳、莫杂特、杜舍克、贝多芬、迪亚贝里、卡巴列夫斯基、格季凯等大师的小奏鸣曲共48首。程度相当于599后部，849前部到299。

4、《少年儿童钢琴曲选》（1949~1979）

1979年，为了展现建国30周年我国音乐创作的成就，中国音乐家协会在国庆前选编出版了两套中国作品集，这本《曲选》是器乐作品选中的少年儿童钢琴曲专辑。

5、中国风格《儿童钢琴曲选》

由人民因与出版社编辑部编的这本曲集共91首，有适合启蒙阶段程度的小曲。

6、少年儿童《钢琴四首联弹曲集》

四首联弹是一种非常好的教学形式，可以训练学生的听觉与合作能力。并且因为四只手弹比两只手弹更丰富，能提高学生的学习兴趣与练习的积极性。本曲集所选的19首曲子，都是以儿童熟悉的歌曲及乐曲改编而成的。

乐曲的范围很广，相应的教材也很多，如老柴的《少年钢琴曲集》舒曼的《儿童组曲》《少年曲集》。全音乐谱出版社出版的《您喜爱的钢琴百曲集》第1、2集（共6集），中央音乐学院钢琴系编的《少年儿童外国钢琴曲选》第1、2集，（共6集），都可以广泛的选用。

钢琴教学的中级阶段

钢琴教学的中级阶段是一个比较长的阶段，其中车尔尼《钢琴快速练习曲》作品299程度与车尔尼《钢琴练习曲50首》作品740程度可视为两个台阶。从车尔尼《钢琴流畅练习曲》作品849过渡到299，再从299进入740，中间必须穿插根中各样的练习曲目作为铺垫，特别是740，技术课题很多，无论难度、速度、都不是那么容易掌握的。

这个阶段要进一步加强手指的独立性与灵活性，使手指能快速、均匀、有力地跑动；学习不同的触键，增强指尖的灵敏度，弹奏出不同层次的音色变化；进一步训练手指、手腕、手臂三者的相互配合，逐步掌握各种专门技术。随着技术的提高，曲目范围的扩大，要学习掌握不同时期作品的风格，重视音乐表达能力的培养，在演奏中恰当的运用这些技术来表现音乐。

一、钢琴教学中级阶段的练习曲

1、车尔尼《25首钢琴小手练习曲》748

对于达到中级成度，而手还小的学生来说，这本教材非常适宜，因为曲目中双音最大的跨度为7度。比起车尔尼其他一些简易练习曲来748增加了左手练习，音乐性也更强。

2、车尔尼《钢琴手指灵巧的初步练习曲》636

这是一本比较机械的练习曲集。共24首，每首的篇幅较小可以把它作为进入299的快速练习准备。

3、车尔尼《160首八小节钢琴练习曲》821

初级阶段中已作了介绍，此阶段可在第2、3集里适当选用。

4、车尔尼《钢琴快速练习曲》299

这是本阶段柱教材之一。全书共40首，分为4集，每集10首。学习时应当根据学生的际情况 和不同阶段又针对地加以选择，不要机械的一条条顺着弹。

练习299时要在读谱仔细、方法正确、弹奏熟练的基础上加快速度，力求手指颗粒感、清晰度、均匀有力的基本技术都有明显提高。同时，特别要注意训练快速跑动中有意识地训练手腕、手臂与手指的配合。

5、克拉莫《60首钢琴练习曲》

本书注重同时发展左右手的技术，每一首篇幅不大，技术类型集中，包括各种单音、双音、保留音的练习。全书一半以上都是以一种技术类型，分别在左右手训练，为左右手的手指独立性、颗粒性、准确性、灵敏性和加强收拾力量的训练提供了更大的可能。

6、车尔尼《钢琴练习曲50首》740

这是中级阶段最高的程度，这本练习曲包含了各种基本技术和专门技巧。在练740时，除了正确熟练等基本要求外，速度上一定要突破。这是，一首练习曲不是短期能完成的往往需要一至两个月或更长的时间。要讲究练习方法，高标准，反复练，使技术有一个飞跃。如果能够将740中的各种技术类型的练习曲都演奏得很出色的话，就能顺利地进入高级阶段的学习。

二、钢琴教学的中级阶段复调作品

以巴赫的《创意曲集》为主，同时可以学习《法国组曲》以及部分《平均律钢琴曲集》作品。

1、《创意曲集》

分二声部与三声部，各15首。学习二声部创意曲，可以选音符与节奏都稍微简单些得先练，如1、4、8、13。

比起二声部三声部的要难得多。首先要抓住主题，脑子里对三个声部的进行要很清楚，然后收支要控制好不同声部的力度对比和音色对比。可以先练6、2、7、1、15。

2、《法国组曲》

这是巴赫于1720年~1724年间完成的古组曲题材的作品，共六组。他的基本结构是由四首速度和节拍不同的舞曲，按一定顺序组成，这四种舞曲是阿列曼德、库朗特、萨拉班德和基格，他们的调性统一每一组前三首的顺序是固定不变的，而在萨拉班德与基格之间，则可插入“小步舞曲”、“旋律”、“加伏特”等其他舞曲或乐曲。这六组中唯一不同的是第四组，在阿列曼德前面多了一首前奏曲。据说“法国组曲”这个名称不是巴赫本人所提，是因为作品的典雅风格类似法国风味而得。

3、巴赫《平均律钢琴曲集》

巴赫时代的钢琴篇七
《钢琴》

钢琴教学可分为启蒙，初级，中级和高级四个阶段，各阶段的学习内容通常包括基本练习，练习曲，复调作品，乐曲几大类。作为基础练习，目前仍然是车尔尼的作品最为系统，如《钢琴初步教程》599，《24首左手练习》718，《钢琴流畅练习曲》849，《钢琴快速练习曲》299，《钢琴练习曲50首》740等。

车尔尼是19世纪上半叶维也纳钢琴演奏学派的代表人物，他所写的大量练习曲是针对古典作品演奏技术，即“古典技术”训练的，主要是手指的颗粒、均匀、快速，对左手的训练较为薄弱，因此期间必须

增加各类作曲家的联系曲目作为补充。这些教材可以根据学生的实际情况，有针对性地选择，穿插进行，不能一味的依次一条条的弹下去。

儿童的启蒙阶段

在目前较流行的儿童启蒙教材中大致可分为三种五线谱入门型，即高音谱表入门法，中央c入门法，多音入门法。传统的启蒙教材《拜尔钢琴基本教程》用的就是高音谱表入门法，目前在国内广泛应用的《汤普森浅易钢琴教程》1-5册用的是中央c入门法。

李斐岚，董钢锐编著的《幼儿钢琴教程》采用了以中央c为主的入门法，突破了以往此类教材的音域局限，从3指开始学重量落下，逐步扩大到其余各个手指的方法已被公认为最好的方法。

冯〃德〃魏尔德：《陶梅格〃露丝》系列。这一幼儿系列较注意引起幼儿的兴趣，从小培养他们具有良好的乐感。

柯达依：《钢琴学校》第一册。

巴托克：《小宇宙》。这是一本非常重要的入门课本。因为它的五指位臵包括种种非大调或小调结构的五指排列，有助于学生及早接触黑键及各种调式，含有许多复调模仿级对位因素。

齐格勒：《钢琴教本》第一册。该书的特点是先听后弹，耳朵领先。 勋格勒：《钢琴教室》第一册。

狄贝阿里：《二十八首联弹练习曲》中较容易的，越早让学生进行

四首联弹训练，越有利于养成用耳朵听辨声部与互相配合的习惯。

钢琴教学的初级阶段

一、钢琴教学初级阶段的练习曲

这个阶段的学习内容相当于从车尔尼的《钢琴初步教程》599到车尔尼的《钢琴流畅练习曲》849。

1、车尔尼的《钢琴初步教程》599

这是我国钢琴初级阶段教学运用极为广泛的教材之一。全书可分为三个部分。第一部分是57首以前这部分是巩固手型，训练手指独立性的练习，要求弹奏放松、自然、练习速度以慢速中速为主。 第二部分是58~79首。58首到70首是训练快速练习，这里的快速是针对前阶段而言的，在学生奏法正确的基础上要求初步加快速度。71首~79首是带装饰音与不带装饰音的旋律练习。练习时先慢速，把节奏弹准确，弹平均，双手对齐，在稍微加快。这部分又是旋律练习要注意乐谱上的表情术语及力度术语，注意分句、呼吸、旋律的连贯与歌唱。

第三部分是80首到结束，是综合性的练习，无论音型、节奏型、音阶琶音类和双音练习都比前面丰富，练习时不仅要弹准确，还要注意音乐起伏，做出力度，速度变化。

2、车尔尼《钢琴简易练习曲》139

这是从599过渡到849的教材之一。139的教材编排不如599集中，可以选择与599不同类型的曲目。在599到50首左右就可以交叉使用。

3、车尔尼《24首钢琴左手练习曲》718

这是全部为左手而写的练习，内容有音阶，琶音型、五指型、分解和弦等，学习顺序要灵活掌握，对于手小的学生，可以先学音阶型或五指型的曲目，八度练习暂缓。

4、车尔尼《160首八小节钢琴练习曲》821

本教材不仅技术类型较丰富，而且难度跨度大，包含了从初级程度到高级程度的练习。每一首只有8小节，技术课题非常集中，尤其适合一些其他课业多，练习时间较少的学生使用。

5、莱蒙《钢琴练习曲》37（又译为“勒穆瓦纳”）

全书共50首，由浅入深。他的特点是较多的左手练习，双手比较均衡。可以弥补车尔尼练习曲中偏重右手的不足之处。

6、布格缪勒《简易练习曲25首》100，《练习18首》109

这两集练习曲都是有标题的小曲，形象鲜明，手法简洁，旋律优美动听，音乐性较强，非常适合初学者学习。在599到50首左右时，可以逐步选用作品100的曲目。

作品109在技术上比作100难，篇幅也大些。在进入车尔尼的849后可以选用。

7、车尔尼的《流畅练习曲》849

从599到849是初级阶段的前期进入到初级阶段的后期。849共30首，每一首的技术内容基本上不重复。在选用时要具体分析每首练习的难点，考虑技术的“过渡”问题。

849与599，139不同之处是每首曲子有了速度标记，根据849教材的标题，应当做到演奏流畅，尽可能按要求的速度去弹，为下一步中级阶段做准备。

8、赫尔契伯格编《趣味钢琴技巧》

从预备到第五册，由浅入深。编者从几十位作曲家的作品中选择了一些旋律优美而短小的练习曲，每首都有标题，并在标题下给予明确的提示和要求。技术类型比较全面，又由于作曲家各自不同的风格特点，因此，曲目丰富多彩，是一套生动有效的教材。

二、初级阶段的复调

复调作品的特点，是左右手不同声部、不同旋律同时进行，在节奏、重音、力度、句法、旋律、起伏等方面既有内在的联系，又各自独立。对于训练大脑的多维思维，节奏感、左右手的独立性等都是很好的教材。

1、巴赫《初步钢琴曲集》

这本教材共28首，是巴赫为其妻子安娜〃玛格达蕾娜写的练习小曲，是初级阶段必学的内容。

2、巴赫《小前奏曲与赋格曲》

巴赫时代的钢琴篇八
《钢琴音乐史》

第一章 钢琴乐器的演进

钢琴于1709年由意大利人巴特罗梅欧·克里斯多佛利（1655— 1731）所发明，钢琴跟前辈同类乐器如大键琴、羽翼琴等根本上的区别在于它使用了琴键敲击弦机，因此才能由离弦很远的演奏者运用手指，利用触键弹奏，去左右振动的琴弦的音质与强度。这样，钢琴就产生了特有的优异性能。钢琴音乐自产生以来，其独有的特色经过各个不同历史时期的演化和发展，使这门具有丰富表现力的艺术达到了非常丰富完满的高度和境界。

第一节 17世纪以前的乐器

器乐来源于民间，最早的键盘手稿可以追溯到14世纪，比键盘乐器的出现还要早，键盘乐器在当时有好几种形式，如管风琴、羽管风琴和风琴。在16世纪的欧洲，风琴演奏在当时是很发达的。风琴很早就在欧洲城市生活中占有很重要的地位，但是完善独立的风琴曲是从16世纪开始。德国纽仑堡的盲人风琴师包曼（？一1473），在他的创作中曾用宗教音乐或民歌为素材，写了大量的风琴乐曲，在城市生活中演奏，并迅速起到了很好的作用。所以说，钢琴的发展和风琴的发展有着密切的联系。

第二节 巴洛克时期的古钢琴

巴洛克（Ｂａｒｏｑｕｅ）来自法语，音乐的巴洛克时期大致是1600—1750年，即从蒙泰威尔迪开始，到巴赫、亨德尔为止，当时的古钢琴有两种不同性质的键盘乐器：一种是击弦古钢琴（克拉维科德），另一种是拨弦古钢琴（克拉维辛）。

从音域上来看，它们只有四组音，音量相当小，更谈不上么力度和音色的变化，直到莫扎特时期，四组音增加到五组音十一键。

击弦古钢琴“克拉维科德”，是 16世纪末到17世纪欧洲流行的一种键盘乐器，它是由多弦乐器加键而成，依靠置于琴键内端的铜块击弦而发音的，琴身不大，形状像一个长匣多用于家庭，它的音量纤细微弱，音色柔和、优美，触键反应敏捷，强弱的力度变化均由手指来控制。拨弦古钢琴‘克拉维辛”，由置于琴键内端的羽管或皮制拨子拨弦而发音。这种乐器的音量比克拉维科德的音量大，音质较硬而干，琴上装有音栓和两层键盘，由音栓对音色和力度加以调节。早期

拨弦古钢琴有好几种形式，有三角拨弦古钢琴，翼形的称为翼琴，从发音来看音色较强而单调，一般用于音乐会或在管弦乐队中担任伴奏，当时的乐曲大多都是为“克拉维辛”而创作的。１８世纪中叶，钢琴地位逐渐确立以后，上述两种乐器的作用就日益缩小了。

最早创造出钢琴的独立新风格的是英国古钢琴家威廉·拜 尔德

（1543—1623）和约翰·布尔（1563－1628）等，他们创作了一系列有着浓厚生活气息的乐曲。在创作体裁中主要是来自民间的歌曲和舞曲，风格大多活泼、明快。同时他们还成功地创造出一系列织体手法，确立了古钢琴独特的音乐语汇。

第三节 历史的变迁

随着时代的发展，钢琴便乘着时代的大潮，迅速向前推进。

1709年：克里斯多佛利研制成第一架键盘乐器（四组）。

1720年：克氏又完成一架钢琴的制作（四组半）。

1726年：克氏又制成一架钢琴。同一时期德国人昔伯曼也

制造出两架钢琴。

1747年：巴赫试奏昔伯曼的钢琴。

1765年：莫扎特9岁时在伦敦第一次见到钢琴。

1767年：莫扎特开始用钢琴为歌手伴奏。

1777年：莫扎特在奥格斯堡试奏斯坦因新制的钢琴。

1781年：克列门蒂开始用钢琴旅行演奏。

1790年：英国勃罗特伍德推出五组半的钢琴。

18ho年：钢琴上的黑白键的颜色有了改变。

1808年：法国人埃拉尔发明了复震奏装置。

1811年：立式钢琴在市场出现。

1824年：李斯特在巴黎用六组琴演奏。

1825年：铸铁弦框取代了原先的木质弦框。

从此之后，钢琴的制造就日新月异，蓬勃发展。随着它的普及，除皇宫贵族使用外，逐渐进人普通百姓家庭。

虽然钢琴在研制发展过程中，曾受到过一些责备和反对，但是它的发展早已成为现实，任何阻止都无济于事。

为什么钢琴会确立这个特殊地位呢？这就是钢琴本身的魅力所在。在众多的西洋乐器中，钢琴被称为“‘乐器之王”。无论是表现色彩丰富的和声，还是线条纷繁的复调；无论是表现风卷残云般的音流，还是表现委婉如歌如泣的旋律；无论是气势恢宏的巨著，还是温馨抒情的小品，作为乐器之王的钢琴均能表现得尽善尽美。它除了担任独奏外，还可以与其它乐器合奏、重奏，为器乐声乐、舞蹈伴奏。由此可见，钢琴在音乐领域里起到了举足轻重的作用，为其它乐器无法替代。

。

到来

下部 各个时期部方音乐家及钢琴作品简介

第一节 巴洛克时期的古钢琴艺术

在近四百年的西方音乐发展史中，钢琴作品浩如烟海，几乎每位作曲家都写过不同形式的钢琴曲，其艺术魁力经久不衰。当我们回顾钢琴音乐的发展历程时，我们必须从它灿烂的前期说起。

巴洛克时期，风琴、古钢琴异军突起，发展很快，尤其是古钢琴的发明和研制，更为当时的音乐发展锦上添花。击弦古钢琴和拨弦古钢琴在巴洛克时期被广泛使用，曾出现过两个鼎盛时期。

第一个鼎盛时期的出现，是英国伊丽莎白女王的统治时期。当时曾出现了许多优秀的乐师，甚至有些外国乐师也纷纷来到英国，为英国的音乐繁荣写下了光辉的一页。其中最著名的有：以风格质朴自然著称的威廉·拜尔德（1543—1623），以炫技大师盛名的约翰·布尔（l563—1628）和在艺术上完美纯熟的奥尔兰多·吉本斯门（1583—1625）等。他们以民歌为体裁，深人生活，形成了英国的维吉那琴乐派，创作出一批非常优秀的作品，并创立了音阶型走句、分解和弦、分解八度，把古钢琴音乐从管风琴音乐和声乐风琴中独立出来。伊丽莎白女王死后，英国曾一度出现政治上和宗教上的混乱局面，许多乐师又纷纷出走国外，古钢琴的辉煌一度中断，直到17世纪后半叶，亨利·普赛尔（1659－1695）才又创作了一些艺术精品（为拨弦琴而作），把英国维吉那琴乐派推向高峰。普赛尔的艺术风格包含了英国民间音乐风格，同时又表现了他个人的创作风格。

第二个鼎盛时期是法国路易十四（1643—1715）统治时期这一时期古钢琴艺术在法国发展势头很快，但主要还是供王室娱乐享用，在法国当时受贵族美学观点支配，崇尚精致优雅，讲究装饰的艺术品味。因此，古钢琴的一大特点就是装饰音在音乐作品中大量使用，弥补了拨弦古钢琴余音太短、音值不足的缺撼。当时法国的作曲家有商布尼叶尔（1602一 1672）、库泊兰（1626一 1661）等。他们的创作不仅继承了英国古钢琴作曲家的体裁，同时又有发展和创新，布尼叶尔的组曲，对比原则强，就组曲中某一个别的舞曲加以变奏，同时也可以看到装饰音的运用，使古钢琴音乐具有了纤丽细致的风格。

路易·库泊兰的创作有了新的变化，如他把组曲的范围扩大了，常常在组曲之前加上一段自由的前奏曲，从而丰富了组曲的感情内容。17世纪古钢琴音乐的主要体裁是变奏曲和组曲形式，这种 形式由不同国家的四种舞曲组成，最常见的包括来自于德国的阿勒曼德舞曲，来自于法国的库朗特舞曲，来自西班牙的萨拉班德舞曲和来自英国的吉格舞曲形式。在法国形成的古钢琴鼎盛时期，也出现了第二代古钢琴家弗朗梭瓦、库泊兰和拉莫，是他们把巴洛克后期的创作推向新的高度，对钢琴音乐艺术初期阶段的发展，做出了贡献，但是他们的创作特征属于洛可可艺术。

（三）其它欧洲国家的崛起

17世纪的欧洲国家如意大利、德国的古钢琴音乐也随之得到发展。其中意大利的弗莱斯科巴尔第（1583—1643），他在赋格方面很有建树，做出了贡献。此时还有德国的弗洛见格（1619—1667），他在钢琴组曲前面加上前奏曲，而且在曲子中间加带标题的小曲。 当时古钢琴演奏家在德国大量涌现，有代表南德乐派的波格列蒂（1580一1673）和穆法（1653-1764），他们的演奏风格轻快、敏感，富有欢快明朗的音乐风格。有代表中德乐派的帕赫贝尔（1653—1706）和库绕（1660一1722），他们的演奏风格质朴、严谨，富有哲理。有代表北德乐派的布克斯特胡德（1637—1707），他们的演奏风格深沉而富有幻想风格。他们为古钢琴的体裁都作了新的发展和创造。到了17世纪末钢琴艺术又有了新发展，出现了几位非常伟大的人物，最著名的是德国的作家约·寨·巴赫、亨德尔，意大利的多·斯卡拉蒂，他们是承前启后的人物，在音乐中占有十分特殊的地位．他们一方面总结继承了前辈的创作经验，一方面表达了时代的新思想、新内容，并积累了新经验。从创作手法上来看，他们创造出一套古钢琴乐的表现手法，尤其是巴赫的复调音乐发展到了空前完美的高度，为世人所惊叹！

约翰·塞巴斯提安·巴赫（1685—1750）出生于德国著名的音乐世家。他的家庭曾经出现

过52位音家，巴赫姓氏几乎成了音乐家的代名词。巴赫的音乐启蒙教是他的父亲，在这种得天独厚的环境中，巴赫不仅受了良好的音乐教育，而且还广泛地接触和学习当地民间音乐。15岁起巴赫就开始独立生活，进人吕纳堡中学，同时在教堂合唱队担任领唱并以此谋生。在边求学边谋生的过程中，他对音乐如饥似渴，几乎到了疯狂的地步，先后担任过魏玛宫廷的乐师及一些教会学校、教堂等地的兼职老师。

巴赫的一生创作非常勤奋，范围极广，用瓦格纳的话来说，它是“一切音乐中最惊人的奇迹”。他的创作除歌剧外几乎涉及到当时所有的音乐体裁。钢琴方面他先后写下了《小前奏曲与赋格》、《创意曲》二部、三部各15首，《法国组曲》、《英国组曲》、《帕蒂塔》以及《十二平均律钢琴曲集》2卷。

巴赫的《创意曲》（1702—1723年作），作为中级水平，是钢琴复调技术训练的一本非常好的教材，它是用来训练演奏者手指弹奏的独立性和歌唱性，同时也可以作为作曲者学习对位法的范例，创作手法类似于赋格，速度较为自由，织体上采用复调与主调相交替的写法，是一本学习者必弹的教材。

《法国组曲》和《英国组曲》是巴赫在奎登写下的，《法国组曲》共6套组曲，感情自由，织体疏松，旋律优美、生动，仿佛人们在欢歌笑语、歌舞升平之场面。以演奏乐器来看，《法国组曲》适用于击弦古钢琴。而《英国组曲》适用于拨弦古钢琴，它的形式较大，织体较密，效果辉煌，气势宏伟，充满活力。此外巴赫还写了《帕蒂塔》，也称为《德国组曲》。从作品风格来看，创作本身受到意大利风格的影响。手法上，他减少了复调声部的交叉，应用了透明的二声部织体，增强了主调和声因素，内容丰富多样，从《帕蒂塔》可以看出，在创作上巴赫的风格逐成，并且日趋成熟。

《十二平均律钢琴曲集》分别写于1702年和 1740年，这是巴赫为人类音乐文化宝库增添的巨大财富。2卷各有 24首，按半音阶顺序分别建立在24个大小调上，每套有前奏曲与赋格组合形式。在巴赫的套曲中，前奏曲的运用往往是起到引子和前言的作用，形式自由流畅，一般演奏起来速度较快，手指功夫要很深，颗粒性、均匀性很强，具有很高的艺术价值。而赋格的形式则非常严谨，主要表现快乐的情绪或表现悲观的情绪，往往主题开始就有深刻的表情，演奏中，要从容不迫地把主题、对题、经过句等表现出来。巴赫建造的“赋格大厦”的材料——主题，不仅形象丰富，而且意味深长，是巴赫个人的内心写照，他将这一体裁发展到了前所未有的高度。他用主题的技艺性处理（如倒置、逆行、扩大、紧缩）作为贯穿前后的线索，而在富有对比的答题和对题上进行了丰富和声的变化，使乐曲达到对比和统一，巴赫的平均律被世人称为“旧约全书”。

巴赫时代的钢琴篇九
《巴赫》

巴赫——巴洛克时期德国作曲家（西方音乐之父）

1． 巴赫的音乐创作

⑴声乐作品：康塔塔 ①世俗康塔塔《咖啡康塔塔》②宗教康塔塔《宗教改革康塔塔》

⑵受难曲：《马太受难曲》

⑶弥撒曲：《b小调弥撒曲》

⑷钢琴音乐：《十二平均律钢琴曲集》

⑸管风琴音乐：《d小调托卡塔与赋格》

⑹管弦乐曲：《布兰登堡协奏曲》

巴赫（Johann Sebastian Bach，1685～1750），德国著名的作曲家、管风琴家。

2、创作分期

一般而言，巴赫的生平可分为三个时期：

第一阶段，魏玛时期：1708年，巴赫前往穆尔豪森担任圣布拉修斯教堂的风琴师，次年娶玛丽亚·巴巴拉为妻，后返回魏玛，出任安斯达公爵宫廷乐队的风琴师兼小提琴师，在这里供职达十年之久。他从魏玛时期开始就被推崇为大师。

第二阶段，柯登时期：1717年，巴赫前往柯登，出任雷奥博亲王的乐长并获得亲王的宠信，他的许多名作在这个时期写成，如《勃兰登堡协奏曲》、《平均律钢琴曲集》第一册等。1720年在卡尔斯巴德旅行期间，爱妻不幸去世。

第三阶段，莱比锡时期：1724年，巴赫获得莱比锡市立托马斯学校乐监和托马斯教堂等四个教堂的工作，此后27年一直在莱比锡工作，直到逝世，这期间创作了清唱剧、神剧、受难曲及众多的管风琴曲，同时还为每星期的礼拜提供新的宗教曲目，著名的《马太受难曲》、《约翰受难曲》和《平均律钢琴曲集》第二册在此时写成。

3、代表作品

巴赫作品浩如烟海，除了歌剧以外，各种声乐和器乐体裁无不涉猎。

（1）声乐作品以宗教音乐为主，大多是路德派新教的宗教音乐。创作的近300部教堂康塔塔现存195部，5部受难曲中完整保存了两部：《马太受难曲》和《约翰受难曲》。

（2）器乐作品方面，作有大量各种体裁的管风琴曲，包括众赞歌幻想曲、前奏曲、变奏曲、赋格曲、托卡塔、帕萨卡利亚等。他还把维瓦尔第的小提琴协奏曲改编成管风琴协奏曲和古钢琴协奏曲。巴赫著名的器乐作品为两卷《平均律钢琴曲集》（The Well-Tempered Clavier）、《法国组曲》（6首）、《英国组曲》（6首）、《帕蒂塔》（6首）、《六首无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》、《六首无伴奏大提琴组曲》、《独奏长笛奏鸣曲》以及重要的乐队作品：4部《乐队组曲》和6部《勃兰登堡协奏曲》等。他最后的作品《戈德堡变奏曲》、《音乐的奉献》和《赋格的艺术》是300年来复调技术的总结性作品。

4、艺术成就

（1）《平均律钢琴曲集》首次将十二平均律全面系统地运用到音乐创作实践中，有力地证明了平均律的优越性，开辟了欧洲音乐的新天地。

（2） 把复调音乐的技巧发展到登峰造极的程度，《音乐的奉献》和《赋格的艺术》总结了

中世纪以来的复调音乐写作技术。

（3） 高度的复调思维与新颖生动的主调手法并用，使巴赫成为音乐史上一个继往开来的关键人物。

（4） 他是钢琴协奏曲的奠基者，并为钢琴演奏中大拇指的解放作出重要的贡献。

（5）使巴罗克时期的器乐发展到巅峰，如古钢琴作品《法国组曲》、《英国组曲》、《帕蒂塔》，小提琴作品《六首无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》，乐队作品《勃兰登堡协奏曲》等。

5、巴赫音乐的意义

巴赫是位虔诚的基督教徒，他的音乐表达的更多的是对上帝的信仰，表现的是世界和谐存在的意义。巴赫认为，世界万物都是上帝恩赐的，音乐也是上帝赐予的圣物，因此音乐是与上帝对话，通往天堂的云梯，所以音乐的全部意义在于对上帝的赞美、感恩，通过这种隐蔽的理性方式来感觉上帝的存在。

其一是管风琴音乐。巴赫是个管风琴演奏家，他继承了管

风琴乐派的深厚传统，又研究了意大利管风琴音乐，巴洛克时

期所有的相关体裁几乎都留下他的杰作。其管风琴幻想曲、赋

格曲以及前奏曲、托卡塔、帕萨卡利亚与赋格的组合，艺术性

都达到了巴洛克时期顶峰。

其二是古钢琴音乐。巴赫在这方面的创作更多的是以教学

为目的。著名的作品有《托卡塔与赋格》、《半音阶幻想曲与赋

格》以及目的详尽的《创意曲》和《平均律键盘曲集》第一集

等；还有著名的三组曲《法国组曲》、《英国组曲》、《帕蒂塔》；

晚年的《戈德堡变奏曲》的新旧风格因素，是巴洛克时期复调

的经典之作。

其三是室内乐和管弦乐。巴赫作有小提琴、大提琴、长笛

等乐器的独奏奏鸣曲以及弓弦乐器、管弦乐器与键盘乐器组合

的重奏音乐。晚年有两首特殊的室内乐作品《音乐的奉献》

（1747 年）、《赋格的艺术》（1748-1749年未完成）。

同时，巴赫是第一位写作键盘协奏曲的作曲家，著有6 首

《勃兰登堡协奏曲》、4 首乐队组曲等。

巴赫在继承前人传统的基础上，吸收15、16世纪尼德兰乐

派的复调技术，借鉴维瓦尔第等意大利器乐曲和库普兰等法国

键盘曲的成就，形成既具有高度逻辑性、结构严密，又具有内

在哲理性, 深刻隽永的独特风格。

他的音乐绝大部分属于复调音乐但各声部的进行都以主调

音乐的大小调和声为基础，并在主题加工中使各构成要素之间

取得协调和均衡，形成新型的复调音乐，达到近代复调音乐的

高峰。巴赫是17世纪后期出现的第一个把八度音等分为十二份

的调音法践行者。

巴赫的《平均律钢琴曲集》以创作实践证明了十二平均律

的优越性和实用价值，它是一部划时代的作品，是“全部音乐

史上最重要的里程碑之一”，“钢琴音乐的《旧约全书》” （贝多

芬的三十二首奏鸣曲则被称为“钢琴音乐的《新约全书》”）。 在

此以前，键盘乐器大多按“中庸律”调音，能够演奏而不会走

调的音阶，只有降B，F，C，G， D，A 等大调和g，d，a 等小调，

因此作曲家在选调和转调上受到很大的限制；而采用了十二平

均律后，可以自由选用大小二十四个调，并自由转调。所以说，

没有巴赫对平均律的实践，近现代音乐的 发展还要徘徊很长一

段时期。 巴赫很早就把自己的键盘乐器调成十二平均律，并写

了《平均律钢琴曲集》第一集，其中包含以大小二十四调为序

的《二十四首前奏曲和赋格》（1722年）；晚年在莱比锡又写了

第二集， 包含另二十四首前奏曲和赋格（1744年）。 巴赫创作

《平均律钢琴曲集》，是受了先辈作曲家费歇尔（约1665-1746

年）的启发。费歇尔在1702年出版了《新风琴音乐的阿莉阿德

尼》，包含二十首前奏曲和赋格曲，分属二十个不同的调。这部

作品的标题起源于希腊神话，阿莉阿德尼是古典神话中克里特

岛国王米诺斯的女儿，她的母亲帕西法厄生了一个牛头人身的

怪物，米诺斯把它幽禁在一座迷宫里，并命令雅典人民每年进

贡七对童男童女喂养这个怪物。雅典王子忒修斯发誓要为民除

害，他借助阿莉阿德尼给他的线球和魔刀， 杀死这个怪物后沿

着线顺来路走出了迷宫。“新风琴音乐的阿莉阿德尼”，意思就

是指示风琴演奏家用五花八门的大小调作迷宫的引路人（西方

有句成语“阿莉阿德尼的线”，用来比喻解决问题的方法）。 这

部作品用了大小二十四调中的十九个调，只有升C和升F大调、

降e、降b 和升g 小调没有用，而e 小调用了两次。其中所有的

前奏曲和赋格曲都是很短小的乐曲，主题和《平均律钢琴曲集》

中的主题很相似。巴赫吸收前人经验谱成的《平均律钢琴曲集》__

运用了全部大小二十四调，在音乐史上首开先河。

据此有很多人认为：“巴赫对律制有了前所未有的贡献”。

这一点笔者认为应予以纠正，因为恰恰相反，作为乐器和律制

理论的践行者，他仅是践行者，但是践行者的第一人！显而易

见的是巴赫是个作曲家！

“巴赫不是小溪，而是大海。”（贝多芬语） 这句话用来形容

巴赫的音乐是再恰当不过了。巴赫把巴洛克音乐推向高峰，不

仅以凝重洗练的音乐语言和创作风格为古典音乐铺平了道路，

同时他也是“表情音乐”的先行者，在突破形式束缚的基础上，

热烈追求感情的表达方面是和19世纪的浪漫主义音乐一脉相通

的。

其“巴赫密码”(以B-a-c-h音程或调性构筑音乐的基本基

因的音乐“原动力”)给了所有现代、后现代的“创立”多种原

创音阶、人工调式的作曲家们以启迪，这不仅为浪漫派作曲家

舒曼、李斯特以及瑞革、布松尼、丹第、里姆斯基·科萨科夫

等采用，也被勋伯格、韦伯恩、卡塞拉、福斯、耶利内克等现

代作曲家所采纳。

至此，曲高则知者寡，有人甚至认为巴赫的音乐是毫无情

感的纯音乐技巧或数字游戏！

在巴赫的音乐中，预示了包括维也纳古典主义、浪漫主义、

十二音序列技术、无调性以及人工音阶设计，乃至爵士乐和流

行音乐等等各种音乐风格的显著特征。

在巴赫逝世后的80年到100年间，通过门德尔松和塞缪尔、

巴赫是一位多产的作曲家。他的作品包括有将近300首的大合唱曲；组成《平均律钢琴曲集》的一套48首赋格曲和前奏曲；至少还有140首其它前奏曲；100多首其它大键琴乐曲；23首小协奏曲；4首序曲；33首奏鸣曲；5首弥撒曲；3首圣乐曲及许多其它乐曲。总计起来，巴赫谱写出800多首严肃乐曲。

巴赫的作品深沉、悲壮、广阔、内在，充满了18世纪上半叶德国现实生活的气息。他谱写了许多充满戏剧性因素的大型声乐作品，其中《马太受难曲》、《b小调弥撒》是最有影响的作品。在这些作品中，巴赫作为一个虔诚的新教教徒，通过宗教音乐形式（受难曲、弥撒、经文歌、康塔塔等），抒发了对人类灾难、痛苦的怜悯、同情以及对和平与幸福未来的渴望。与前人的作品相比，巴赫这种充满宗教内容及复调音乐思维的作品更为广阔地揭示了人的内心世界，但同时，他的音乐从来没有脱离德国的音乐传统。《平均律钢琴曲集》是巴赫在“纯音乐”领域留下的重要遗产之一。作为一部具有德意志精神的作品，《平均律钢琴曲集》体现出了那种严谨的德国式思维。另外，巴赫的《法国组曲》、《英国组曲》和六首《勃兰登堡协奏曲》等乐队作品，也都表达了作曲家对和平和美好生活的祈求与渴望。这些作品在德意志民族人民的内心深处激起了强烈的共鸣。

巴赫一生的主要功绩：第一，把音乐从宗教附属品的位置上解放了出来，使之平民化。音乐不总是歌颂上帝，也歌唱平凡的生命。 第二，他把复调音乐发展成主调音乐，大大丰富了音乐的表现力。 第三，他确立了键盘乐器十二平均律原则。 第四，除了声乐作品外，巴赫奠定了现代西洋音乐几乎所有作品样式的体例基础。因此巴赫被后世尊称为“西方音乐之父”。

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